La serie narra la vida de los habitantes de una pequeña e idílica aldea en medio del bosque, y se centra fundamentalmente en el personaje de Patty Conejo, una simpática conejilla que acaba de llegar a la aldea, junto a su familia, ya que su padre acaba de ser contratado como el nuevo cartero. En la aldea Patty se hará amigo de Bobby, un osezno de su misma edad, y también ira conociendo al resto de personajes antropomorfos que pueblan esta aldea, incluyendo al “villano”, un lobo ladronzuelo por el que uno siente más lástima que miedo y que en el fondo también tiene buen corazón.

Las historias giran alrededor de las vivencias típicas de la aldea y de las alegrías, problemas y peligros de la vida en comunidad, con temas universales como la inadaptación social, las relaciones entre padres e hijos o el valor de la amistad. La serie catapultó a los estudios Toei Animation a un reconocimiento mundial y se ha convertido en un referente para toda una generación de telespectadores. En total, contaba con un total de 52 episodios, aunque en Televisión Española se emitieron sólo veintiséis de ellos, por razones que me son desconocidas.

Recepción crítica de la serie

Aunque a día de hoy puede parecernos una serie simple, ñoña y repleta de moralina, ya que todo terminaba siempre bien, y había una moraleja a extraer de cada episodio que algún personaje se encargaba de remarcar, lo cierto es que “La Aldea del Arce” sigue siendo un ejemplo ideal de serie infantil, radicalmente diferente de las locuras kitsch que podemos ver hoy en día, personificadas, por ejemplo, en el famoso Bob Esponja. Es una serie mucho más inocente e infantil, debido sobre todo a que pertenece a una época en la que todos (adultos incluidos) eramos más inocentes de por sí.

A pesar de ser una serie japonesa, está pensada para un público universal, y de hecho la versión emitida en Estados Unidos se occidentalizó bastante, acompañando cada capítulo de una dosis extra de moralina en forma de un corto protagonizado por la señorita Mapple, que se encargaba de darnos el mensaje a extraer del episodio. Vamos, algo parecido a los discursos de He-man y sus amigos al final de cada capítulo.

“La Aldea del Arce” es, quizá, una de las series más “tiernas” (o kawaii, que dirían los japoneses) creadas por el estudio de animación. Con unos personajes adorables que hacían las delicias de cualquier niño por debajo de los ocho años. A partir de esa edad, el efecto se invertía y uno no podía más que vomitar arcoiris y ositos de gominola cada vez que Patty abría la boca (algo motivado en gran parte por la irritante voz con la que doblaron a este personaje en España).

Pero no quiero enseñarme con esta serie ya que, ateniendo al público al que estaba dirigida (niños pequeños) era un ejemplo magnífico de televisión de calidad que servía, además, para desmitificar el pensamiento general de que la animación japonesa solo producía series violentas.

Opening y música de ‘La Aldea del Arce’

Antes de despedirnos, quiero hacer una mención al tema principal de la serie, titulado “Shamalele, shamala” y compuesto (aunque no interpretado) por Emilio Aragón y Rita Irasema. Recordemos que el hijo de Miliki cuenta entre sus múltiples facetas con la de compositor / cantante, como demuestran algunos de los temas que nos dejó. ¿Quién no recuerda, por ejemplo, su “Cuidado con Paloma”?

Ya sabéis como va esto: no puedo terminar un artículo sobre una serie sin mostraros el opening, así que en esta ocasión os invito a disfrutar con la música y letra de la canción compuesta por el mismísimo Emilio Aragón:

Fuentes:

Maple Town Monogatari (Wikipedia en español)
“La aldea del Arce, Nostalgia TV” en ¡Vaya Tele!

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La serie contaba la historia de dos hermanos y su viaje de perfeccionamiento para convertirse en expertos alquimistas, en un mundo en que la alquimia no solo era real, sino que, alejada del ideal medieval de convertir el plomo en oro (aunque también es posible, ojo), aquí se nos muestra como una ciencia capaz de transmutar y fabricar todo tipo de objetos bajo una única norma: el intercambio equivalente.

Esto quiere decir que, para obtener cualquier objeto, era necesario sacrificar algo de un valor similar. Sin embargo, nuestros dos alquimistas pronto oirán hablar de una “piedra filosofal” que permite saltarse esta regla, e irán en su búsqueda para poder enmendar un error de su pasado. Esta es la base argumental de “FullMetal Alchemist”, quizá el mejor anime que he tenido la ocasión de ver.

Como de costumbre, esta franquicia tiene su origen en un manga, obra de la mangaka japonesa Hiromu Arakawa. El manga comenzó a publicarse en 2001 y, debido a su enorme éxito, pronto se transformó en una serie de animación. Curiosamente el Anime comenzó y terminó su emisión antes de que el manga terminara su publicación, que ha durado hasta 2010, por lo que la historia a partir del capítulo 20 difiere notablemente entre ambos soportes. No obstante, el Anime de por sí es redondo y puede verse de forma independiente sin haber leído el manga (de hecho, eso es lo que yo hice en su día).

Para complicar aun más las cosas, existen dos series de anime: la original, titulada simplemente “FullMetal Alchemist”, se emitió entre los años 2003 y 2004 y cuenta con un total de 51 episodios; y una segunda versión anime, titulada en occidente “Fullmetal Alchemist: Brotherhood”, se emitió entre 2009 y 2010 y retoma la historia desde el principio, con mayor fidelidad al manga original y una duración de 64 episodios. Como yo solo he visto la primera versión, será la que comente hoy.

Pero que no os engañe el argumento supuestamente pseudocientífico: “FullMetal Alchemist” es pura acción, ya que poco a poco descubriremos que existen diferentes facciones que van detrás de la piedra filosofal, un objeto cuyos poderes iremos también averiguando a medida que avanza la serie.

Argumento

La historia se centra en los hermanos Edward y Alphonse Elric y su tragedia personal. Abandonados por su padre, Hohenheim, a una edad muy temprana, quedaron al cuidado de su madre, Trisha Elric, hasta que esta murió de una enfermedad terminal, dejando a los hermanos huérfanos.

Utilizando sus conocimientos de alquimia, los hermanos Elric intenta resucitar a su madre, aunque esto va en contra del principio del intercambio equivalente y de la regla de oro de la alquimia: no realizar la transmutación humana. Como resultado de esta acción, Edward pierde su pierna izquierda y Alphonse pierde su cuerpo. En un intento desesperado por salvar a su hermano, Edward sacrifica también su brazo derecho y consigue sellar su alma en una armadura de metal. Posteriormente, el brazo y la pierna perdidos de Edward serán sustituidos por avanzadas prótesis de metal… y de ahí el título de la serie.

El haber estado al borde la muerte, le otorga a Edward la habilidad de llegar mucho más lejos de lo común en el arte de la alquimia, y ser capaz de realizar alquimia sin círculo de transmutación, lo que le permite transmutar de manera casi instantánea como, por ejemplo, durante el curso de una pelea (siempre dentro de los principios del intercambio equivalente). Entre estos objetos se encuentra su propio cuerpo, ya que Edward puede transmutar por ejemplo la prótesis de metal de su mano y convertirla en una cuchilla. Debido a esta habilidad fuera de lo común, Edward se propone convertirse en un Alquimista Nacional, una especie de cuerpo de soldados de élite que utilizan la alquimia como arma.

Para rematar el conjunto, uno de los grandes puntos a favor de la serie, en lo que a mi respecta, es su ambientación en un universo ficticio de estilo steampunk, un mundo en el que la alquimia es uno de los conocimientos científicos más respetados y poderosos, y quienes lo dominan pasan a formar parte de una casta de élite.

Eso sí, hay que reconocer que el anime no empieza fuerte. De hecho, los dos primeros capítulos son algo lentos. No obstante, os aseguro que cuando empecéis a cogerle el ritmo, os enganchará sin remedio y ya no podréis dejarlo, algo que ocurre aproximadamente cuando llegamos al tercer o cuarto capítulo.

Un año después de finalizar la serie, se estrenó una película (un OVA, que dirían los expertos en la materia) titulada “Fullmetal Alchemist: Conquistador de Shamballa”. Aunque esta película cierra la trama, para mi gusto no está a la altura de la serie y, de hecho, plantea más preguntas de las que responde. La serie, ya de por sí, tiene un final autoconclusivo. Un final abierto, como suele ser habitual en el cine y la literatura japonesa, pero un final que encaja al fin y al cabo.

Personajes principales

Edward Elric: Es el protagonista de la serie, junto a su hermano Alphonse, y el que da nombre a la misma debido a que parte de su cuerpo (el brazo derecho y la pierna izquierda) está formado por prótesis metálicas. Está excepcionalmente dotado para la alquimia y puede realizarla sin círculo de transmutación, lo cual le da una ventaja estratégica en cualquier batalla al poder hacer transmutaciones “al vuelo”. Se le conoce como el Alquimista de Metal. Edward se siente responsable por lo que les ocurrió a él y a su hermano y hará todo lo posible por recuperar sus cuerpos originales.

Alphonse Elric: El hermano menor de Edward, al igual que su hermano tiene una gran habilidad para la alquimia aunque sin llegar al nivel de este. Debido que pierde su cuerpo tras el experimento que hacen él y su hermano al principio de la serie, lo único que vemos de él es una enorme armadura metálica en la que Edward ha conseguido sellar su alma. Alphonse es más maduro que su hermano mayor, y el único capaz en ocasiones de hacerle entrar en razón.

Winry Rockbell: Winry es la mejor amiga de la infancia de Edward y Alphonse, y la responsable de las prótesis de metal que lleva Edward en su brazo y pierna, conocidas como Automail. Es una fanática de las máquinas en general y posee gran habilidad para fabricarlas y repararlas. Suele acompañar a los hermanos Elric en algunas de sus aventuras, aunque estos siempre procuran dejarla fuera por su seguridad, lo cual sobra decir que no le hace ninguna gracia a Winry, ya que sabe defenderse solita.

Roy Mustang: Roy es miembro del cuerpo de Alquimistas Nacionales, dentro del cual se le conoce con el sobrenombre de Alquimista de Fuego, debido a que es especialista en hacer arder las cosas. Para ello usa un círculo especial de transmutación inscrito sobre el dorso de sus guantes (lo cual le evita tener que dibujarlo cada vez). Sus guantes están compuestos de un tejido especial llamado tela de ignición que, al frotarlo entre sí con suficiente fuerza, desprende chispas, lo que permite a Mustang iniciar el fuego concentrando el oxígeno del aire. Será el que convenza a Edward de hacer el examen para convertirse en alquimista nacional.

Riza Hawkeye: Pertenece al cuerpo militar, al igual que Roy Mustang, y es su más fiel escolta. Riza es experta en armas y tiene una excepcional puntería, así como la capacidad para mantener la calma necesaria en momentos de peligro. Por ello no practica la alquimia, sino que en su lugar prefiere utilizar armas de fuego. Riza está enamorada de Roy y le protege a toda costa.

Alex Louis Armstrong: Este gigantón, miembro del cuerpo de Alquimistas Nacionales, posee un cuerpo extremadamente musculado, del cual se enorgullece y muestra cada vez que puede rompiendo su camisa. Es quizá el personaje más cómico del anime y uno de los más divertidos en todas sus apariciones. A pesar de ello, sabe ser serio cuando la situación lo requiere y, aunque su apariencia sugiera lo contrario, siempre intenta solucionar los conflictos de forma pacífica.

Opening de ‘FullMetal Alchemist’

Esto es todo lo que puedo contaros de la serie sin destripar su argumento. Por ello voy a despedirme, como de costumbre, con el opening de la misma. A lo largo de sus 51 episodios este fue variando su tema musical e imágenes que lo acompañaban, así que me he quedado con su primera versión, que es la que a mi personalmente más me gustaba:

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Conocido originalmente como “Marmalade Boy” (el título en japonés no es más que la vocalización de estas palabras en inglés) a Latinoamérica llego traducido como “Chico mermelada” y aquí en España, por esa regla de tres por la cual no nos gusta traducir nada literalmente, lo conocimos como “La familia crece”, título que por otra parte tiene bastante que ver con el argumento de la serie. Y además, si lo hubieran traducido literalmente del título como “Chico mermelada” sonaría aún más ridículo.

No obstante, aunque en su superficie puede parecer solamente esto, un culebrón en forma de serie de animación, el argumento tiene muchas más chicha de lo que parece. Y es que todo empieza cuando los padres de Miki (la chica protagonista) y los de Yuu (el chico) realizan un intercambio de parejas y se van a vivir todos a la misma casa. Vamos, que el padre de Yuu se junta con la madre de Miki y viceversa, con lo cual Miki y Yuu, que tienen la misma edad, se encuentran conque de repente se han convertido en hermanastros y compañeros de instituto.

La historia de “Marmalade Boy” vió la luz originalmente en un manga dibujado por Wataru Yoshizumi, publicado de 1992 a 1995, siendo adaptado posteriormente a una serie de anime de 76 episodios que se emitió de 1994 a 1995 en Japón. En España nos llegó a través La 2 de Televisión Española en 1998, y aunque cada vez que pillaba la serie zapeando me costaba soportarla más de dos minutos, reconozco que la música del opening de la misma me tenía particularmente enganchado. De hecho lo estoy escuchando de fondo mientras escribo estas líneas. Para inspirarme, claro.

El hilo conductor del argumento, tanto en el manga como en el anime, es precisamente esta historia de amor entre Miki y Yuu. Aunque lo cierto es que como yo no seguía esta serie, todo lo que os destripe sobre dicho argumento tendría que copiarlo de la Wikipedia. Me limitaré por tanto a un repaso básico de sus protagonistas:

Miki: La protagonista de esta historia. Una chica extrovertida y amigable. Al principio de su convivencia con Yuu ambos no se llevan especialmente bien, sobre todo porque Yuu es especialista en sacarla de quicio. Eso, y el hecho de compartir padres por duplicado ¡dos padres y dos madres, imaginad! terminaría por volver loco a cualquiera. Pero claro, esto es al fin y al cabo una historia de ficción, y como suele decirse, el roce hace el cariño…

Yuu: El “hermano” de Miki es un chico rubio alto, apuesto y buen deportista. Vamos, el arquetipo de hombre japonés. A Yuu le cuesta mostrar sus sentimientos por Miki y se dedica a hacerla rabiar aunque en el fondo es dulce, comprensivo y tiene un corazón de oro y diamantes. Además, cada vez que sonríe sale el sol y aparecen arcoiris en el cielo.

Ginta: Es el mejor amigo de Miki desde que eran niños, del que ella ha estado enamorada en secreto mucho tiempo. ¿Alguien ha dicho Dawson y Joey? Miki se declaró a él en secreto, pero por un malentendido Ginta no se enteró y terminaron siendo solo amigos, ejerciendo Ginta el papel de pagafantas. Eventualmente acabará también encontrando pareja, aunque en ocasiones lo haga solo para poner celosa a Miki, técnica de reconocida eficacia en este tipo de historias.

Meiko: La mejor amiga de Miki y su confidente en todo lo relacionado con sus sentimientos por Yuu. Es también la más madura del grupo y la única capaz de poner un poco de cordura dentro de las reacciones impulsivas de Miki. A lo largo de la serie acabará liada con Shinchi, uno de los profesores del instituto.

Arimi: Ex-compañera de Yuu en su antiguo instituto. Intenta enamorar a Yuu convenciéndole de que salgan juntos “como prueba” durante tres meses y actuando en todo momento como una pareja (lo sé, a mi también me suena a mala excusa). Pero no consigue conquistarle ya que Yuu solo la ve como una amiga. Pagafantas en versión femenina, vamos.

En cuanto al desarrollo de la trama, ya os lo podéis imaginar: amor, desamor, celos, que ahora me junto con esta chica para ponerte celosa y que te fijes en mi pero al final me acaba gustando, que ahora Yuu se va a estudiar lejos (a Kioto en el manga, a EE.UU. en el anime) y no sé si estará con otra, etcétera, etcétera, etcétera. Tenéis 76 episodios si queréis profundizar, allá vosotros.

Lo que más me sorprendió de esta serie fue enterarme, años después, del verdadero argumento (de lo del intercambio de parejas, quiero decir) ya que en los pocos minutos que veía de la misma cuando la pillaba empezada no solía enterarme de que iba el tema más allá de “historia de amor sobre adolescentes”. Y para eso, yo era más de “Dawson Crece”.

Tiene cierta gracia, no obstante, enterarse de esto a posteriori, ya que donde yo solo veía una serie ñoña había un argumento de lo más liberal, que fomentaba el incesto al estilo de “Los Serrano”, al no ser Miki y Yuu realmente hermanos. Aunque en realidad sí que lo son, ya que hacia el final de la serie Yuu descubre que su padre no es quien el creía, sino que el padre de Miki es también el suyo ¡TOMA SPOILER! por lo que Yuu decide separarse de ella por si les salen los hijos tontos. O al final terminan juntos, no me acuerdo muy bien.

Además, la serie también fomentaba la anorexia, porque las piernas de alambre de los personajes de la serie eran antinaturales, estando todos ellos dibujados con cuerpo delgados y extremadamente alargados, como personajes de El Greco. Esto último me lo he inventado, claro está, pero es la impresión que me daba.

Opening de la serie

Siempre que suelo hablar de una serie de televisión me gusta poner aquí el opening para ambientar el artículo. Y en esta ocasión no va a ser una excepción. Pero es que además, como ya he reconocido, a mi, personalmente, el opening de esta serie en concreto me encantaba, tanto la música como el montaje del mismo. No me preguntéis por qué (no sabría explicarlo) bastante vergonzoso es para mi el admitirlo:

Fuentes:

Marmalade Boy (Wikipedia en español)

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Dawson Crece

‘Padre de Familia’ con estética Disney

Después llegaría “Mazinger Z”, que se convirtió en un icono para toda una generación. Y por último, en la década de los 90, “Dragon Ball” catapultó la popularidad del género en nuestro país a cotas inimaginables hasta la fecha.

Desde entonces, el fluir de la animación del país del sol naciente hacia el nuestro ha sido una constante. Por nuestras pantallas han pasado multitud de grandes sagas como “Los Caballeros del Zodiaco” u “Oliver y Benji”, así como muchas otras menos conocidas. Y de eso precisamente quiero hablar hoy, de un anime semidesconocido que me encantaba en los noventa y que tenía por protagonista a un chaval que quería ser cocinero: “El Gran Sushi”.

Mamá, quiero ser cocinero

“El Gran Sushi” (“Mister Ajikko” en su versión original) es un anime que, como tantos otros, está a su vez basado en un manga. En concreto se basa en un manga de Daisuke Terasawa publicado originalmente en la famosa revista Shonen Magazine y posteriormente recopilado en 19 tomos. El anime se emitió entre 1987 y 1989, aunque a España nos llegó unos años más tarde (y no a todas las comunidades, como ahora veremos).

El protagonista de la historia es Yoichi Ajiyoshi, un chaval con extraordinarias dotes para la cocina que regenta un pequeño restaurante familiar junto a su madre. Todo cambiará para Yoichi (llamado Suixi en el doblaje gallego de la serie) cuando uno de los críticos culinarios más prestigiosos de Japón, conocido con el grandilocuente nombre de El Rey del Gusto, queda impresionado por un plato de katsudon (cerdo rebozado con huevo sobre una base de arroz) que le prepara el joven chef.

La serie no llegó a emitirse a nivel nacional, sino que solo pudo verse en algunas televisiones autonómicas: TV3, ETB y TVG. En Galicia, donde vivía por aquel entonces, el anime se emitía como parte de la programación del Xabarín Club bajo el título de “O Gran Sushi”. Por suerte, hace un par de años se compraron los derechos para emitirla a nivel nacional. De momento, la televisión autonómica andaluza ya ha anunciado su intención de emitir la serie.

Explosión de sabores

La serie era tremendamente divertida y, a la vez, una perfecta muestra de como la animación japonesa es capaz de dotar de espectacularidad a las cosas más triviales, como una simple degustación culinaria. Evidentemente, para que la serie tuviera algo de gracia no podía basarse tan solo en imágenes de Yoichi cocinando, así que nuestro protagonista emprendía ya desde los primeros capítulos una cruzada que le llevaba a enfrentarse en duelos culinarios con los mejores chefs del país nipón.

El esquema de dicho duelos era bastante repetitivo. Inicialmente Yoichi conocía a su rival, y quedaba impresionado por alguna habilidad del mismo (desde su forma de cortar el pescado a su habilidad para cocer el arroz. Yoichi se preparaba para el enfrentamiento y, finalmente, ambos cocineros competían en un mismo escenario, que podía variar desde una feria culinaria hasta un plató de televisión.

Tanto Sushi como sus rivales se esmeraban al máximo en la preparación, estando la contienda acompañada de los típicos comentarios que de los asistentes al duelo: “¡Formidable! ¡Mirad a que velocidad corta la cebolla!!” “¡Oh! ¡Es increíble! ¡Contemplad el color dorado de ese rebozado, es crujiente y sabroso a la vez!”. Y sí, me estoy inventando estas frases porque mi memoria no llega a tanto, pero los diálogos iban más o menos por esta línea.

Por último, tras elaborar el plato, llegaba el momento de que alguno de los miembros del jurado (siempre había un jurado o, en su defecto, alguien encargado de juzgar los platos) probara los manjares que habíamos visto cocinar. Cada vez que alguien probaba uno de los platos de Yoichi, los recursos animados se explotaban al máximo y sobrepasaban todos los límites posibles de la exageración.

Así, de entrada el fondo de la imagen empezaba a vibrar con colores psicodélicos y líneas de velocidad. A continuación, la cámara solía tomar al encargado de la degustación en contrapicado, a la vez que este iba experimentando y describiendo las sensaciones provocadas por el plato mientras los ingredientes del mismo volaban por el fondo.

Los que probaban los platos flotaban en el aire, daban saltos de varios metros de altura o se retorcían de gusto mientras de fondo veíamos volcanes en erupción, chorros de salsa o fuegos artificiales. Ningún recurso era lo bastante exagerado si se trataba de transmitir al espectador las sensaciones del comensal. Recordemos que se trata de animación japonesa, al fin y al cabo.

En ocasiones, después de esta secuencia venía otra en la que un narrador nos describía las propiedades del plato y como había sido cocinado, lo que servía para comprender mejor lo acontecido en pantalla y, de paso, aprender un poco de cocina. No obstante, todo lo relatado es más difícil de explicar que de mostrar, así que permitidme que inserte a continuación una escena de la serie en la que se puede apreciar perfectamente todo lo comentado anteriormente, desde el proceso de elaboración hasta la degustación final. El vídeo está en japonés, pero en este caso los diálogos son lo de menos:

Lo más curioso es que ver cualquier capítulo de esta serie realmente abría el apetito, algo sorprendente teniendo en cuenta que las imágenes de comida no eran más que dibujos.

Además de estos duelos, y recurriendo una vez más a otro elemento arquetípico de los argumentos de cualquier serial japonés, Yoichi se veía obligado constantemente a superarse a si mismo y enfrentarse a duras pruebas en su carrera por convertirse en el mejor chef de Japón, recorriendo el país y afrontando diversos retos, desde ayudar al dueño de un restaurante ruinoso a incrementar las ventas de un puesto callejero de comida con sus recetas.

Por ejemplo, estableciendo un paralelismo que todos conozcamos, recordemos como cuando Son Goku entrenaba con Krilin el Maestro Mutenroshi les obligaba a llevar a la espalda una concha de tortuga de 20 kilos de peso a sus espaldas mientras realizaban todo tipo de tareas extenuantes. Por su parte, en uno de los capítulos, Yoichi se veía obligado a retirarse a las montañas y poner a prueba sus habilidades cocinando platos sofisticados en las condiciones más precarias, teniendo, por ejemplo, que extraer el agua de un pozo o recoger los huevos de gallinas directamente del corral.

Recuerdo esta serie con especial cariño. La seguía cada tarde, al volver del colegio, y desde que desapareció de la parrilla no había vuelto a saber nada de la misma. Ahora, gracias a internet he podido no solo recordar su nombre y, de paso, recordároslo a vosotros, sino que me encuentro con la buena noticia de que va a ser repuesta.

Si no la conocéis, dadle una oportunidad en alguna de sus reemisiones. No está exento de mérito el hecho de realizar una serie de animación (o un manga) cuya temática principal sea la culinaria y, aun así, hacerlo interesante. Basta decir que la historia se extendió por un total de 99 episodios, una cifra más que respetable.

Opening de la serie en español

Dado que la serie solo se emitió en las cadenas autonómicas, no existía un opening en español de la misma hasta hace relativamente poco, una vez traducido para la nueva emisión antes comentada. Os dejo con el mismo y me despido, de nuevo, hasta el próximo artículo:

Fuentes:

Mister Ajikko (Wikipedia en inglés)
“Mister Ajikko, el rey del sushi” en Mangaland

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De “Mazinger Z” podríamos hablar largo y tendido, enrollándonos de forma escandalosa; pero, como no quiero ser muy pesado, me limitaré a un repaso de los aspectos curiosos y menos conocidos de la saga magna de Go Nagai.

Decir que “Mazinger Z” es el primer súper robot gigante japonés sería un error. La serie pionera de este género fue “Tetsujin 28″ (conocida en España como “Ironman 28″), considerada como la iniciadora del género de robots gigantes o mecha, y cuya primera versión animada (en blanco y negro) se creó en 1963. Así pues, “Mazinger Z” innovó y reinventó un concepto que había nacido hacía relativamente poco tiempo. Nacida de la mente de un joven Go Nagai, la serie sentó las bases que encaminarían al género durante años.

Nacimiento de un mito

Los mitos nunca mueren, y menos aún en el caso de “Mazinger Z”. Desde el comienzo, la serie apuntaba maneras ya que toda ella, desde su creación, está rodeada de situaciones la mar de curiosas y divertidas.

La idea le sobrevino a su creador, Go Nagai, mientras trataba de cruzar una calle invadida por el tráfico. En ese momento, se imaginó lo que supondría el tener un coche con cuerpo de robot gigante para poder cruzar la calle. Y es aquí cuando a nuestro querido autor se le ocurrió una de las primeras ideas: un robot pilotado desde el interior. Todo lo contrario a “Tetsujin 28″, que se pilotaba desde el exterior mediante un mando a distancia. No obstante, dicha serie, junto a “Astroboy”, serían sus primeras fuentes de inspiración.

Poco a poco, Nagai comenzó a fraguar varios diseños (de donde nacerían, entre otros, “Energer Z”), hasta que dio con el definitivo y comenzó a dibujar el cómic pertinente para la revista Shonen Jump de Shueisha, obteniendo un éxito inimaginable.

Fue entonces cuando el estudio de animación Toei decidió llevar a cabo una adaptación a la televisión de 92 capítulos, obteniendo el empuje necesario para que la serie comenzase a salir fuera de las fronteras japonesas. Más tarde, aparecerían como secuelas oficiales “Great Mazinger” y “Grendizer”, que aunque cosecharon un éxito menor en Japón, casi fueron igual de importantes que la original a nivel internacional.

Para los que no siguierais la serie en su momento, o bien no recordéis más que lo fundamental de la misma, quiero proponeros un ejercicio de memoria. Hagamos un pequeño repaso del argumento original de “Majinga Zetto”.

Argumento

Todo comienza cuando el abuelo de Koji Kabuto, Juzo Kabuto, y un compañero de trabajo encuentran en la isla de Rodas restos de una civilización antigua, cuya tecnología supera todo lo descubierto hasta el momento, contando con gigantes de hierro que servían para defender la isla. Ese compañero de trabajo no es otro que el Doctor Infierno, que será el primero en darse cuenta de que con ese ejército de robots se podría conquistar el mundo.

Asustado por los planes megalómanos de su ex colega, Juzo escapa; pero, conociendo las intenciones de Infierno, se siente responsable de inventar algo que pueda defender la Tierra. Claro que no podía ser cualquier cosa. Tenía que ser invulnerable. Inmortal. Una auténtica fortaleza de hierro. Sus cimientos serían construidos con la más fuerte de las aleaciones existentes conocidas: la aleación Z. “No, insuficiente, esos cimientos son insuficientes”, debió de pensar Juzo. Tendría que ser algo más potente, un Japanium evolucionado. Una Súper aleación Z. ¿Y su motor de guerra? Por supuesto, un núcleo fotoatómico. Nacería así un verdadero defensor de la justicia y de la paz, un guerrero incansable, con una actitud valiente y limpia, y la capacidad para moverse como un general en pie de guerra, sin mostrar debilidad alguna.

Juzo empieza a crear el robot en su laboratorio. No obstante, siente que su creación no está completa. Le falta algo, aunque no averigua qué es. Desgraciadamente, no tarda en llegar el día en el que su viejo compañero de fatigas, decide comenzar su ataque contra la humanidad, empezando por Juzo para acabar así con la única persona que podría arruinar sus planes.

Tras uno de esos terremotos que asolan Japón con tanta frecuencia, Koji Kabuto, nieto del doctor, acude a visitarlo para averiguar si está bien. Al llegar, ve un gran boquete y se apresura a asomarse para ver qué es aquello.

De este modo, Koji encuentra el laboratorio secreto que el doctor Juzo escondía en su propia casa. No obstante, aquella imagen pronto es sustituida por el descubrimiento del cuerpo moribundo de su abuelo, atrapado bajo una viga. En ese momento, el doctor se da cuenta de lo que le faltaba a su creación, a su gigante invencible: un espíritu, un espíritu humano, indomable e indoblegable por naturaleza. Alguien testarudo pero calculador. Una persona que haya conocido el sufrimiento y que sepa qué es la bondad. Y su nieto Koji es la persona perfecta para ocupar ese puesto.

Juzo usa su último aliento para explicar a su nieto todo lo acontecido en la isla de Rodas y advertirle de la existencia del Doctor Infierno. Le dice que Mazinger Z no es un juguete y que, una vez tome la decisión de pilotarlo, estará en sus manos el destino del mundo. A él le corresponderá elegir si ser un dios salvador o un demonio destructor.

Con este original y arrollador prólogo, daba comienzo la primera serie de televisión y, salvando algunos detalles mínimos, el cómic; varios capítulos repletos de emoción, lucha, sacrificio, sorpresas y sobresaltos. O, al menos, así preferimos recordarlo.

El manga original, a pesar de su éxito, nunca se extendió tanto como el anime. Esto se debe principalmente a que la serie iba dirigida a un público infantil, mientras que el cómic iba dirigido a un público más adulto y exigente con el guión. De ahí que la serie eliminara mucha violencia y dramatismo y construyera historias más simples e independientes.

Opening de la serie en español

Antes de dar paso a los detalles más anecdóticos del artículo, es casi obligatorio recordar el famoso opening que toda una generación de niños españoles cantaban de memoria:

Curiosidades:

• “Mazinger Z” fue de las primeras series de animación japonesa en presentarnos a una coprotagonista femenina “feminista”, de carácter duro y cabezota. Sayaka Yumi era la contraposición de Koji Kabuto, el típico chico joven japonés con tintes “machistas”, sin llegar a los extremos en ninguno de los dos casos.
• Aunque veáis que el total de los capítulos que existen de la serie es 92, cabe destacar que en España se emitieron solo 28 en la primera tirada y, además, desordenados y censurados, como era costumbre en la época.
• La serie está llena de contradicciones: mientras que al principio se afirma que las bestias mecánicas usadas por el Doctor Infierno fueron encontradas en Rodas, más tarde veremos como el Doctor Infierno bautiza a algunas como sus “últimas creaciones”, o incluso le veremos construyendo alguna.
• Koji conoce al profesor Morimori en el laboratorio fotoatómico. Capítulos mas tarde, el profesor muere y Koji recuerda su infancia junto a él y sus sabios consejos. Un caso de “Expediente X”.



• A pesar de no ser el primer súper robot japonés, Mazinger Z fue el primer robot pilotado desde dentro, ya que, como hemos comentado más arriba, Tetsujin 28 era pilotado desde fuera por un niño que usaba un mando a distancia como si se tratara de un coche teledirigido.
• El diseño de la cabeza de Mazinger está basado en un trabajo anterior de Nagai: “Mao Dante”. En esta serie, la cabeza del protagonista “adornaba” la del demonio que había poseído su cuerpo. Algo así pasa con Koji cuando acopla el Pilder en la cabeza de Mazinger.
• Existen ataques de los cuales Mazinger Z hace poco uso o casi ninguno, como, por ejemplo, lanzar misiles desde sus dedos. En la gran mayoría de casos, eran ataques sacados de la manga para animar algo sencillo que agilizase la producción de cada episodio animado.



• En Tarragona existe una gran estatua de Mazinger Z . La misma formaba parte de un parque infantil, cuya temática cogía diferentes series de animación de la época como, por ejemplo, “La abeja Maya”.
• En España, tras el éxito de la serie, se necesitaba más material para vaciar los bolsillos de los niños. Sin embargo, la difícil tarea de traducir el manga y la necesidad de que las viñetas fueran a color dieron lugar a una producción medio ilegal dibujada por José Sanchís Grau. Este cómic estaba basado en la película titulada “Mazinger Z, el robot de las estrellas”, que no era sino un live action taiwanés con los nombres pertinentemente cambiados y que, a su vez, estaba basado (con planos robados inclusive) en una serie de imagen real japonesa de título “Super Robot Mach Baron”. Más tarde se volvería sobre lo mismo, adaptando, esta vez sí, el auténtico Mazinger Z. De ello se ocuparía la editorial Grijalbo.
• Existe una versión más adulta y dramática del manga llevada a cabo por uno de los compañeros de Go Nagai, Gosaku Ota, en la que la violencia es mucho más explícita y se explican muchísimos más detalles, como el nacimiento del Baron Ashura (dos mitades de momias). Este cómic, además, une las historia de Mazinger Z y Gran Mazinger de una forma más coherente y ofreciendo un final definitivo, no como ocurre con el manga original, que continúa inconcluso desde Grendizer.

Mazinger, el azote del comunismo

“Mazinger Z” se emitió por primera vez allá por enero de 1979. La acogida que tuvo la serie en nuestro país fue enorme, siendo uno de los primeros casos de éxito de la animación japonesa en la televisión española. El país, por su parte, se encontraba en plena Transición. Con la muerte del dictador unos años antes, en 1975, se ponía fin al franquismo y se producía la entrada del rey Juan Carlos como jefe de estado. Había llegado la democracia y, con ella, una época de grandes cambios para la sociedad española.

Uno de los referentes de la izquierda española y símbolo de la resistencia intelectual al franquismo, durante y también después de la dictadura, fue la revista Triunfo, que conoció su época de esplendor entre 1962 y 1982, bajo la dirección de José Ángel Ezcurra Carrillo.

Lo curioso de esta revista, y la razón por la que la traemos a colación, fue un artículo publicado en su número 800, en el que se hacía una crítica feroz de la serie televisiva “Mazinger Z”. En concreto, se comparaba a Mazinger con el típico superhéroe americano, heredero del imperialismo y mandado a luchar contra el Doctor Infierno, que se parecía, sospechosamente, a Karl Marx. Vamos, que Mazinger Z era ni más ni menos que una representación del azote imperialista del comunismo.

No obstante, os emplazo a leer el artículo “Doble lectura de Mazinger Z” en la versión digital de la revista Triunfo y sacar vuestras propias conclusiones.

Una nota curiosa sin más que demuestra que, por una razón u otra, lo cierto es que la animación japonesa siempre ha contado con sectores críticos en nuestra sociedad. Años después, de hecho, “Los Caballeros del Zodiaco” tendrían que enfrentarse a los intentos censores de las asociaciones de padres debido a la violencia de algunas de sus escenas.

Despedida y cierre

Con este artículo me despido definitivamente de ion litio. Llevo poco tiempo en la pagina y pocos artículos escritos, pero debido a ser relativamente “joven” la temática del blog se me queda un poco pequeña. Además, tengo otros proyectos y otras obligaciones que atender, y debido a esto tengo que dejar algunas aficiones de lado.

Sin más, espero que mi breve estancia por este grandioso y magnífico blog os haya gustado y, por supuesto, espero veros en los comentarios.

Nota de q256: Este artículo fue escrito hace unos meses por Exclamation para ion litio. Dado que su autor no tuvo en su día tiempo de terminarlo, y me daba pena que se quedara en el tintero, me he dedicado a completarlo para poder darle salida, contando con el consentimiento de su autor y con una pequeña ayuda del Tipo de la Brocha.

Fuentes:

Mazinger Z (Wikipedia en español)
Tetsujin 28-go (Wikipedia en español)
El rincón de Garada :: Pilota superrobots
“Mazinger-Z en Tarragona” en 3viajesaldia
“El triunfo de Mazinger Z” en Volviendo a lo de Ayer

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Si recordáis haber visto la serie de dibujos de “Los Caballeros del Zodíaco” en un televisor tan “plano” como el pecho de la protagonista de “Entre fantasmas”, o jugabais con los muñecos articulados de Bandai, que se desarmaban con solo mirarlos, estará de más que diga que la obra cumbre de Masami Kurumada causó furor entre la chavalada de principios de los noventa. A todos nos gustaban “Los Caballeros del Zodíaco”. Si los preferíamos o no a “Bola de Dragón”, ya era otra cuestión.

Por eso, para rememorar esta serie y, a su vez, hacerla llegar a nuestros lectores más jóvenes, hoy hablaré de sus personajes principales y de sus sagas, y, para no caer irremisiblemente en los esquemas propios de una “wiki”, también opinaré sobre cuáles fueron algunos de los mejores combates y los personajes y momentos más “raritos”.

Los guardianes del Universo

“Saint Seiya”, más conocida en España como “Los Caballeros del Zodíaco”, nos traslada a un mundo de mitos donde la diosa Atenea se ha reencarnado en una joven muchacha cuya misión es procurar la paz en el mundo. Cuando la maldad prolifera, Atenea cuenta con la protección de unos guerreros extraordinarios que pueden desgarrar el aire con sus puñetazos y romper la tierra con sus patadas; son ¡los Caballeros del Zodíaco!

Y esta es su canción:

¿Ha quedado bien? Vale, maquetamos y nos vamos a desayunar. ¿Que casi no hemos ni empezado? Pues nada, sigamos.

Los ‘protas’ (ahora con banda sonora incorporada)

Seiya de Pegaso: Por si quedaba alguna duda a la vista del título original de la serie, Seiya es el protagonista indiscutible de la misma. Tiene 13 años (sí, yo tampoco me lo he creído nunca) y, como sus cuatro compañeros, es uno de los huérfanos a los que la corporación Mitsumasa Kido envió por todo el mundo para convertirse en caballeros. ¿Para qué estudiar cuando se puede aprender a repartir galletas a match 1?

Seiya viste la armadura de bronce de Pegaso y es el más inmaduro y cabezota del grupo. Al comienzo de la serie, está obsesionado con encontrar a su hermana, pero pronto comprenderá la magnitud de su misión como caballero, y no dudará en sacrificar su vida en pro de la justicia, dejando la búsqueda de su hermana para sus ratos libres.

Su técnica más famosa es los Meteoros de Pegaso, una andanada de hostias que, en los dibujos animados, servía de excusa para repetir la misma secuencia una y otra vez y ahorrarse lapiceros; igual que cuando los caballeros se ponían la armadura.

Shiryu de Dragón: Con melena heavy, kimono al uso tradicional chino, la armadura más majestuosa de todas (un dragón y un dinosaurio son prácticamente lo mismo, y nos chiflan los dinosaurios) y un maestro que es como un Yoda barbudo, resulta fácil comprender por qué Shiryu era mi personaje favorito.

Entrenado por el anciano caballero de Libra en el Pico de los Cinco Ancianos, Shiryu es el único del grupo con una suerte de novia estable, la sufridora Shunrei, que al menos no tiene que preocuparse de ponerse guapa para su chico, ya que éste se pasa la mitad de la serie ciego. El Dragón es el caballero que más hecho polvo suele acabar tras cada combate; nada extraño habida cuenta de la absurda manía que tiene de quitarse la armadura cada dos por tres para pelear a pecho descubierto.

El ataque recurrente de Shiryu es la Furia del Dragón del Monte Lushan, un puñetazo que, lamentablemente, deja su corazón desprotegido durante unas milésimas de segundo; tiempo más que suficiente para que un caballero le dé el golpe de gracia o se vaya a tomar unas cañas.

Hyoga de Cisne: Este rubiales ruso perdió a su madre en un naufragio en los mares de Siberia, y, al principio de la serie, ve su entrenamiento de caballero como un mero medio para conseguir resistir las bajas temperaturas de las aguas siberianas y así poder visitar la tumba acuática de su madre; sin embargo, al igual que Seiya, acabaría luchando por un bien mayor.

A causa probablemente de sufrir un complejo de Edipo como la copa de un pino, Hyoga es frío como el viento de la estepa rusa o el suelo de mi cuarto de baño por las mañanas. En combate, viste la armadura del Cisne, ese pajarraco blanco al que Tchaikovsky dedicó un ballet.

Su técnica principal es el Polvo de Diamantes, cuya ejecución requiere la realización de una pantomima que nada tiene que envidiar de las danzas de “El lago de los cisnes”. Muy masculino.

Shun de Andrómeda: Aunque en la serie es el ídolo de las jovencitas (gustos orientales, ya se sabe), entre el público español Shun siempre fue objeto de mofa y chanza por varios motivos. Para empezar, se le ve la pluma a la legua, y el hecho de que su armadura sea de color rosa (igual que el babi de las niñas en algunos colegios) no ayudaba a que los chavales quisiéramos identificarnos con él cuando jugábamos a “las peleas” estilo Caballeros del Zodíaco.

El otro problema radica en que Shun es pacifista, y casi nunca termina sus combates; razón por la que cada dos por tres tiene que presentarse su hermano, Ikki de Fénix, para sacarle las castañas del fuego y rematar la faena. Y eso que se supone que, de los caballeros de bronce, Shun es el que tiene mayor potencial.

Al menos, la armadura cuenta con un punto a su favor: viene con cadenas de serie; arma propia de motoristas (fantasmas o no) y recurso ideal en las sesiones de “sado”. La Cadena Nebular es su ataque más socorrido, y como las cadenas gozan de vida propia, Shun puede dedicarse a poner morritos y lloriquear durante todo el combate mientras ellas hacen el trabajo sucio.

Ikki de Fénix: El Vegeta de la pandilla. Empieza siendo malo, y luego se pasa al bando de los buenos. Sin embargo, nunca termina de integrarse en el grupo y suele ir por libre, apareciendo únicamente cuando sus compañeros están en apuros. Es lo que yo he denominado el “síndrome del Guerrero del Antifaz”.

A mí Ikki nunca llegó a gustarme del todo, porque no solo es que sea un chulo, sino que encima va de víctima. Puede que le tocara entrenar en la isla de la Reina de la Muerte, un supuesto infierno en la tierra (con hotel de cinco estrellas, spa, piscina y campo de golf); pero esa no es excusa para encabronarse con todo el mundo, sobre todo habida cuenta de que el lugar donde entrenó su hermano Shun era mucho peor (ni siquiera tenía minigolf).

La armadura del Fénix, eso sí, es la pera. Puede regenerarse sin necesidad de que ningún caballero derrame diez galones de sangre sobre ella y, además, tiene el poder de resucitar a su portador. Ya sabéis, el ave Fénix que resurge de sus cenizas y todo ese rollo.

La técnica predilecta de Ikki, la Ilusión del Fénix, enfrenta a sus rivales a sus peores pesadillas, y a nosotros nos regala la vista con escenas más sangrientas de lo habitual con la excusa de que todo es un sueño.

Las sagas

Aunque existen diversas opiniones acerca de cuáles son las distintas etapas de la serie, según mi experta opinión son cuatro:

I. Santuario: Se divide, a su vez, en:

1. El Torneo Galáctico: Los caballeros de bronce luchan entre sí por la armadura de oro de Sagitario en un torneo organizado por la corporación Mitsumasa Kido. Lo que ninguno de los participantes parece saber es que la joven presidenta de la compañía, Saori Kido, es la reencarnación de Atenea. Y supongo que nadie ve ningún problema en que una cría presida una compañía multinacional cuyo objeto social parece ser la exportación y la promoción de peleas entre menores.

2. Los caballeros negros: Ikki, que clama venganza contra la familia Kido por mandarle a una isla de mierda, irrumpe en el Torneo Galáctico al mando de los caballeros negros (dobles color alquitrán de nuestros heroicos protagonistas) para robar la armadura de Sagitario.

3. Los caballeros fantasma del Caribe: El Patriarca, sumo sacerdote de Atenea, promete a unos caballeros renegados la readmisión en el Santuario (ese club tan chic) si consiguen robar el casco de Sagitario a Atenea. Se trata de un par de episodios de escasa trascendencia en la trama y que sirvieron de relleno para el anime. También es el título perfecto para una novela de piratas.

4. Los caballeros de plata: El Patriarca pretende acabar con Atenea y dominar el mundo, sirviéndose para ello de los caballeros de plata, a los que ordena acabar con los caballeros de bronce. Sin embargo, nuestra historia no se pone realmente interesante hasta…

5. La batalla de las Doce Casas: Atenea es alcanzada por la flecha de un caballero de plata y la única manera de salvarla es cruzando los doce templos zodiacales del Santuario y derrotando al Patriarca. En mi opinión, la serie despegó al llegar a este punto, ya que el desarrollo de los personajes es mucho más profundo y los enfrentamientos con los caballeros de oro son memorables (hostias como panes, os lo digo yo).

II. Asgard: Tras la saga del Santuario, para dar tiempo a que Kurumada dibujara los siguientes capítulos del manga, Toei Animation produjo una serie de episodios que sirvieron de puente entre aquella saga y la de Poseidón. En ellos, los caballeros de Atenea viajan al Polo Norte para enfrentarse a Hilda, sacerdotisa de Odín, y a los guerreros divinos.

A diferencia de otros capítulos de relleno, la calidad de estos es bastante alta, y los combates, por lo general, son interesantes y están bien llevados.

III. Poseidón: La reencarnación del dios Poseidón tiene pensado inundar todo el planeta con un chaparrón bíblico. A cambio de retrasar el destino de la humanidad, Atenea acepta que esas aguas caigan sobre ella (una estupidez como cualquier otra y una pobre excusa argumental).

Para salvar a su diosa, los caballeros deberán destruir los siete pilares del templo submarino de Poseidón, así como el pilar central, en el que se encuentra encerrada la propia Atenea. Por supuesto, cada pilar está custodiado por una marina, los generales del ejército de Poseidón, cuya fuerza rivaliza con la de los caballeros de oro.

IV. Hades: En mi opinión, el éxito de “Los Caballeros del Zodíaco” se debe a dos elementos: por un lado, el enorme carisma de los personajes, con los que es fácil encariñarse; y por otro, el uso de la mitología griega para apoyar las historias. Estas dos cualidades alcanzaron su punto álgido en la última etapa de la colección, la llamada “saga de Hades”, en la que para salvar el mundo de la oscuridad y rescatar una vez más a Atenea, los caballeros deberán atravesar un infierno literalmente dantesco y derrotar al dios Hades y a sus 108 espectros. Muchos de los seguidores de “Saint Seiya”, entre los que me incluyo, consideran esta etapa la mejor de toda la serie. La saga de Hades se divide en tres partes: Santuario, Infierno y Eliseo.

Lluvia de toñas

“Los Caballeros del Zodíaco” es una epopeya repleta de coces, sopapos, trompadas y soplamocos; pero si tuviera que elegir un único combate por cada saga, me quedaría con los siguientes:

Fénix contra Virgo: Esta pelea siempre aparece en los top 5 de los fans de la serie. ¿El motivo? No solo es el enfrentamiento entre las dos personalidades más “humildes” creadas por Kurumada, uno un perdonavidas inmortal y el otro el hombre más próximo a un dios, sino que Ikki recibe más palos que una estera: primero, se hunde en una charca de sangre; luego transmigra por los seis mundos; después sufre su propia Ilusión del Fénix; entre pitos y flautas, ve su armadura reducida a cenizas dos veces; y, por último, pierde los cinco sentidos. Y pensar que algunos nos quejamos cuando nos golpeamos la rodilla con la pata de la mesa.

Cisne contra Merak: No sé si este es el fregado más notable de la etapa de Asgard, pero desde luego es el que mejor recuerdo. Se trata de la típica confrontación entre poderes opuestos; en este caso, hielo y fuego. Para contar con la ventaja del terreno, Hagen de Merak arrastra a Hyoga hasta una caverna de lava, la única en todo el puto Polo Norte, y allí lo machaca de mala manera. Cuando Hyoga está a punto de sucumbir, llega la hermosa Flare, interés amoroso de ambos contendientes, y recibe uno de los ataques de Hagen, provocando que el Cisne saque fuerzas de la flaqueza y derrote a su rival. Tampoco es que sea la pera, pero a mí las peleas a muerte con lava de fondo me molan.

Andrómeda contra Scylla: Este combate, sin ser demasiado emocionante, me parece, no obstante, curioso porque por cada uno de los animales que representan los ataques de Io de Scylla, las cadenas de Andrómeda encuentran una defensa apropiada; así: para el Aguijón de la Abeja Reina, Tela de Araña; para la Captura del Águila, Red de Captura; para la Constricción de la Boa, Rueda Espiral, etc. Me recuerda un poco al duelo entre Merlín y madame Mim en aquella película de Disney. Además, Ikki no interviene para salvar el culo a su hermano, lo cual siempre es una novedad.

Virgo contra Capricornio, Acuario y Géminis: El choque entre Shaka de Virgo y sus tres compañeros, antes caballeros de oro, ahora espectros de Hades, es breve, pero excepcional. Desde el principio, Shaka está dispuesto a morir, pero aun así pone a sus adversarios contra la espada y la pared con su técnica más poderosa, el Tesoro del Cielo, obligándoles de este modo a ejecutar la Exclamación de Atenea, una técnica tan devastadora como unas fabes con almejes y que fue prohibida en la antigüedad por la diosa en persona. Incluso la elección del escenario es acertada, ya que la contienda se desarrolla en el jardín de los sales gemelos. Y, como todos sabéis, Buda murió bajo dos sales gemelos. Y Shaka es la reencarnación de Buda. ¿Es que tengo que explicarlo todo?

Robin de los Bosques aprueba el reparto

¿Recordáis estar viendo “Los Caballeros del Zodíaco” y de repente sentiros incómodos sin saber muy bien por qué? Suponiendo que no estuvierais sentados sobre una bicicleta sin sillín, estas pueden ser algunas de las razones:

Para empezar, hay dos personajes eminentemente andróginos (y subrayo el “eminentemente”, porque todos lucen unas pestañazas y unos torsos depilados que pa’ que). Son Afrodita de Piscis y Misty de Lagarto, que se pintan los labios y hasta tienen nombre de mujer. Y para que no quepa ninguna duda de lo locazas que son, el primero ataca lanzando rosas, y el segundo, aparte de ser más vanidoso que la ratita presumida, se da un baño en el mar que bien podría ser portada de la revista Zero. Al lado de estos dos, Andrómeda casi parece John Wayne. Si el señor Wayne hubiera compartido peluquero con Poison, claro.

Ahora bien, Shun de Andrómeda, aunque algo más discreto en apariencia (solo algo…), protagoniza el que probablemente sea el momento más rarito de toda la serie en la batalla de las Doce Casas cuando, tras liberar a Hyoga de la prisión de hielo creada por Acuario, abraza a su compañero inconsciente para darle calor. Después de esto, yo soy Hyoga y no sé si darle las gracias o matarlo a polvos. De diamantes, mal pensados.

Por último, y por no profundizar en los lloriqueos y miradas tiernas, que eran el pan nuestro de cada día, hay un personaje que, a mi juicio, no tuvo suerte cuando repartieron armaduras. Me refiero a Sorrento de Sirena. Sí, de Sirena. Es decir, ¿cómo va el pobre a pronunciar siquiera su nombre con orgullo? Si yo fuera él, probablemente acabaría farfullándolo o ignorándolo por completo. “Soy Sorrento de… ¡COF, COF, COF!.. Qué tos más tonta. Jopé”. Pero hay que ser positivos, porque la armadura de esta marina incluía un arma letal (Contiene piezas pequeñas. No apto para menores de tres años): la flauta travesera, el instrumento musical de los auténticos machotes. Y cuando Sorrento hace sonar su Sinfonía Mortal, un montón de haditas y pétalos de rosa salen de la nada para acabar con sus rivales.

De todos modos, y por aclarar las cosas, ni todos estos personajes ni su forma de comportarse tienen nada de malo.

Ah, sí, y nadie se explica por qué Seiya se sorprendía cuando no funcionaban sus Meteoros de Pegaso.

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Hércules conoce a Xena

Hoy voy a hablaros de la que es mi serie de animación favorita. “Dragon Ball” y “Oliver y Benji” ocupan un lugar importante en mi recuerdo, pero la producción de la que hablo hoy está como 2 ó 3 escalones por encima de ellas. Estoy hablando (como habréis deducido por el título) de “Sherlock Holmes”, de Hayao Miyazaki.

Y os preguntaréis, con la cantidad de series buenas que había cuando éramos pequeños, ¿por qué elegir una que dura tan poco y que pasó sin pena ni gloria por la televisión española? (y digo ésto no porque sea mala, que no lo es, si no porque cuando le pregunto a gente de mi edad, muy pocos la recuerdan).

Bueno, hay motivos nostálgicos, como siempre que se habla de recuerdos de la infancia. La emitían muy temprano (a eso de las 8 más o menos) y mi hermano, cuando desayunaba para irse al instituto, me despertaba y me llevaba al salón porque no quería perdérmela nunca. Allí me encendía el radiador, me acurrucaba en el sofá y me tapaba con una manta que ahora no me llega ni para cubrirme una pierna. Acto seguido (y como hombre precavido vale por dos) metía una cinta en nuestro VHS Hitachi recién estrenado y le daba al REC, pues sabía que en apenas 10 minutos me quedaría frito…

Motivos personales a parte, aquí va un breve resumen de por qué la considero una de las mejores series japonesas jamás emitida en España (y me atrevería a decir en Europa). El que diga lo contrario, ¡a la hoguera con él!

El Origen

La serie surge (conceptualmente hablando) como fruto de un acuerdo de colaboración entre Tokyo Movie Shinsha y la cadena pública italiana RAI en 1981. La idea es tomar como inspiración relatos de Conan Doyle protagonizados por su famoso personaje, darles una vuelta de tuerca y ambientarlos en un mundo poblado por seres con cuerpo humano y cabeza de perro (en su mayoría). La tarea se le encarga al por entonces emergente Miyazaki, que se pone manos a la obra junto a su equipo de trabajo.

Como parece ser que la idea no le gustó demasiado a los descendientes de Conan Doyle (imaginaos a Pérez-Reverte echando pestes al ver a Alatriste con cabeza de perro), se querellaron contra los responsables de la serie, por lo que el proyecto se congela en 1982 y Miyazaki abandona el mismo tras haber dado a luz únicamente 6 episodios.

En 1984, una vez aclarado todo el follón legal en torno a los derechos, Tokyo Movie Shinsha decide retomar la serie produciendo 20 capítulos más con argumentos que no tienen nada que ver ya con el Sherlock Holmes literario. Los 26 episodios fueron emitidos en la televisión nipona TV Asahi entre noviembre de 1984 y mayo de 1985. No he encontrado la fecha de emisión en TVE, pero si no me engaña mi memoria, debió ser entre 1989 y 1991, aunque ha habido reposiciones posteriores.

El hecho de que haya habido dos equipos distintos al cargo de la serie se nota, no tanto en los guiones, ritmo y resolución de los capítulos (que por lo general son sobresalientes) como en el dibujo y la animación en sí. Los episodios dirigidos por Miyazaki muestran un trazo más firme y detallado, mientras que el resto presentan una animación más nerviosa, con los personajes estirándose a veces como si fueran de goma. Este tipo de movimientos me recuerdan mucho al de series como Lupin (Miyazaki participó en su creación y dirigió dos episodios de la misma bajo el seudónimo de Teruki Tsutomu justo antes de dedicarse por completo a los largometrajes).

Que conste que todo esto son apreciaciones mías, a lo mejor un experto en la materia me podría tirar todo por tierra, untarme de brea y plumas y mandarme al desierto, como en Lucky Luke…

El Autor

A los asiduos al manga y animación japonesa no les voy a descubrir la pólvora. A aquellos que conozcan a este autor sólo de oídas o directamente no sepan quien es, ahí van unas breves pinceladas sobre su vida y milagros.

Hayao Miyazaki nace en 1941 en Tokio. Tras estudiar la carrera de Economía, empieza a trabajar en los estudios Toei, pertenecientes a la mayor empresa dedicada al anime en aquellos tiempos. Poco a poco va adquiriendo nuevas responsabilidades, colaborando con Isao Takahata (a la postre gran amigo y socio) en la realización de la famosa serie “Heidi y Marco”. En 1978 tiene la oportunidad de dirigir su primera serie, “Conan, el niño del futuro”. En Galicia se emitió hace bastante, cuando la TVG llevaba 4 ó 5 años en marcha, así que supongo que en el resto de autonómicas también pudo verse. En 1979 dirige su primer largo, “El castillo de Cagliostro”.

Irá ganando fama en los años posteriores con el lanzamiento de producciones tales como “Nausicaä del valle del viento”, “Mi vecino Totoro”, “Porco Rosso”, “La princesa Mononoke”, “El viaje de Chihiro” y “El castillo ambulante”.
En 1985 funda, junto a su amigo Takahata, Estudio Ghibli, referencia indiscutible dentro de la industria del anime.

En 2002 recibió el Oso de Oro en la Berlinale y el Oscar a la mejor película de animación por “El viaje de Chihiro”, además del premio que reconocía su carrera profesional en el Festival Internacional de Cine de Venecia.

Los Personajes

Sherlock Holmes. A pesar de que en las fuentes que he consultado se cita que casi todos los personajes de la serie son perros, incluido Holmes, yo estoy convencido de que se trata de un zorro, más que nada por su piel rojiza, la forma de la mancha del morro y sus orejas puntiagudas (incluso aunque la versión en inglés se titule “Sherlock Hound”, es decir, “Sherlock Sabueso”). Se trata de un personaje de figura espigada, sagaz y despreocupado. Se le puede considerar un libro abierto, pues posee un gran conocimiento acerca de materias muy dispares que pone al servicio de sus clientes, ya que trabaja como investigador privado. Por cierto, no sé de donde saca el dinero porque, o me equivoco, o no cobra por sus servicios en ningún capítulo. Es un gran aficionado a la química. Su archienemigo es el Profesor Moriarty.

Doctor Watson. Compañero inseparable de Holmes, veterano del ejército y médico de profesión. Si el primero es la parte racional del dúo, él es la parte emocional, lo que le lleva a quejarse constantemente de los experimentos químicos que realiza Holmes. Su carácter bonachón y alegre hace juego con su físico orondo. Al igual que su compañero de aventuras, está enamorado en secreto de la Sra. Hudson. Tras el Profesor Moriarty, éste es mi personaje preferido de la serie, a pesar de que en algunos capítulos pueda llegar a desquiciar un poco con su torpeza o sus razonamientos de tarugo. Los perros no son mi fuerte pero… ¿podría tratarse de algún tipo de Terrier crecidito?

Profesor Moriarty. El antagonista del detective Holmes y el personaje más logrado de la serie. Su doblaje, a cargo de Luis González Páramo, es brillante, consiguiendo dotarle de una personalidad que el doblaje en italiano no consigue (salvo la de Smiley, el resto de voces en en este idioma son bastante malas). Al igual que me ocurre con Holmes, creo que se trata de un lobo y no de un perro. Dada su megalomanía intrínseca, siempre está maquinando complejos planes para enriquecerse o dominar Inglaterra. Huelga decir que Holmes y Watson se bastan para mandárselos todos a freír monas. Memorable su carcajada maliciosa: “jajejijojú”.

Todd. Uno de los dos sicarios del Profesor Moriarty. Su papel dentro de la pareja es poner el cerebro y la responsabilidad, aunque esto es un decir. Es más mezquino y cobarde que su compañero, aunque igual de inepto para llevar a buen puerto los planes de su jefe. Su doblaje es de los mejores de la serie, a cargo de Carlos del Pino. Viendo su foto, me decanto por pensar que quizás sea un Bulldog francés…

Smiley. Compañero de Todd y sicario también del profesor. Larguirucho y despistado, es un buenazo que en muchas ocasiones se cuestiona lo que hacen, poniendo el contrapunto noble en todas las acciones malvadas que realiza junto a Todd. Llega a enamorarse también de la Sra. Hudson. La verdad que esta raza de perro no la tengo nada clara. ¿Podría tratarse quizás de un perro salchicha? ¿O de un Teckel?

Inspector Lestrade. No me preguntéis por qué, pero me recuerda a Manuel Fraga (!). Es inspector jefe de Scotland Yard y, por tanto, encargado de la seguridad en Londres. Sin embargo, capítulo tras capítulo debe recurrir a Holmes y Watson para que resuelvan casos que a él se le atragantan. En otras ocasiones, directamente llega tarde, cuando ya no hay nada que investigar. Suele ir acompañado de un montón de policías, pues para él un caso consiste en matar moscas a cañonazos. Éste personaje es el que pertenece a una raza más fácilmente reconocible, pues estoy casi seguro que se trata de un Boxer.

Sra. Hudson. La cito en último lugar por ser el personaje que menos peso tiene en la trama en general, si bien es verdad que protagoniza dos episodios muy buenos, “El rapto de la Sra. Hudson” y “Los acantilados de Dover”. Enviuda muy joven, como se relata en éste último episodio que cito, tras sufrir su marido un accidente de aviación. Mantiene el orden necesario dentro de la casa de Holmes, el cual está enamorado en secreto de ella (al igual que Watson). En el episodio en que es raptada, tanto Moriarty como sus 2 secuaces caerán rendidos también ante sus encantos. En este caso, no tengo ni idea de que raza de perro se puede tratar.

Ambientación y Curiosidades

Los 26 capítulos están ambientados en el Londres victoriano, para ser exactos en los últimos años de tal período (década de 1890). No obstante, Miyazaki y su equipo se tomaron ciertas licencias a la hora de introducir avances tecnológicos que por aquella época eran prototipos o bien no existían.

A lo largo de la serie desfilan una serie de artilugios, muchos de ellos ideados por el profesor Moriarty, impulsados por combustibles fósiles (carbón sobre todo) y que utilizan como fuerza motriz el vapor. A destacar la enorme prensa de moneda falsa (“La pequeña cliente”), el vehículo todoterreno con ruedas dentadas de acero (“La esmeralda azul”, “El tesoro sumergido” y otros), el globo aerostático a pedales (varios episodios), el famoso Pteranodon rosa a hélice (también aparece en varios episodios) o el ingenioso tren submarino con garras hunde-barcos (“El monstruo del Támesis”).

Además, aparecen otros aparatos más realistas que tardarían años en desarrollarse en la forma en que se muestran, como los aviones (Miyazaki es un gran aficionado a la historia aeronáutica militar), el submarino que roba Moriarty (“El tesoro sumergido”) o los coches. Es curioso ver como sólo los protagonistas y la policía poseen automóviles, mientras el resto de los personajes que desfilan por la serie utilizan los clásicos coches de caballos (excepto los pilotos del aeródromo en “Los acantilados de Dover”).

Como se indica en algunas de las fuentes consultadas, la ambientación está ligeramente influenciada por la corriente steampunk la cual mezcla, por lo general, ciencia ficción con la época victoriana, presentando ingenios impulsados por vapor que emulan a avances tecnológicos actuales.

En cuanto a las curiosidades, en diversas web se hace referencia al hecho de que en el capítulo “La estatua robada”, la figura es un ángel cuyo rostro es completamente humano. Además, en “El rapto de la Sra. Hudson” el profesor Moriarty chantajeará a Holmes y Watson para que roben La Gioconda. Cual es nuestra sorpresa cuando vemos que efectivamente, es tal cual en la realidad, y no con cara de perro como cabría esperar. Supongo que estos detalles no serán meros despistes y estarán hechos a drede porque, por ejemplo, las efigies de las monedas sí tienen morfología perruna.

También se apunta al hecho de que se ven muchos veleros por el Támesis, aunque los puentes que se le dibujan no dejarían pasar este tipo de embarcaciones por la altura de sus mástiles. Sin embargo, en “La esmeralda azul” se ve claramente como un gran velero pasa a través del Tower Bridge (levadizo).

Banda Sonora

La banda sonora, otro de los aspectos que destaca de esta excepcional serie, fue compuesta por Kentaro Haneda, un habitual en el anime de los 80 y 90 y autor de la música de algunos juegos para la Famicom y Superfamicom. Tanto el opening como el ending son interpretados por el grupo japonés Da Capo, si bien en España fueron sustituidos por otras composiciones de la mano de Nins.

En 1985 se publicó un CD con todos los temas de la serie, aunque rebuscando he comprobado que en 1995 Tokuma Communication lanzó un nuevo compacto con 17 canciones que aún se puede adquirir hoy en día (de importación, eso sí).

¿Por qué esta serie y no otra?

Motivos sentimentales y nostalgia aparte, creo que esta serie se merece un lugar de honor dentro de todo el anime que se ha emitido en España desde que desembarcó aquí. Son varias las razones que me llevan a pensar ésto.

En primer lugar, la animación no es tan simplona como en otras series niponas. Me explico: aunque podemos ver fondos llenos de gente estática acompañada de ruido de ambiente (recurso muy socorrido en el anime para dar sensación de movimiento caótico) y fondos muy simplificados cuando la acción es rápida (una persecución, por ejemplo) también es cierto que los rostros de los personajes no son una simple boca en movimiento y unos ojos parpadeando. Tienen muchísima expresividad, sobre todo en los capítulos dirigidos por el propio Miyazaki, en los que se ve una animación muy cuidada.

Relacionado con este argumento está el hecho de que los fondos son impresionantes. Es muy difícil ver una serie de dibujos (sea anime, animación “made in USA” o europea) con tanto nivel de detalle. Sirva de ejemplo la siguiente lámina (si queréis ver más, os dejo al final del artículo la dirección web del Fansite en francés donde hay muchas más).

Muchas series japonesas están ambientadas en mundos futuristas, fantásticos o simplemente en la actualidad. Sin embargo, Sherlock Holmes sitúa la acción en el siglo XIX inglés. El trabajo de documentación que esto exige es considerable, sin mencionar el cuidado que hay que tener para evitar anacronismos (a pesar de que los creadores se tomaron ciertas licencias tecnológicas, como comenté más arriba). No es lo mismo ambientar una producción en el futuro (te puedes inventar todo) o en el presente (simplemente tienes que mirar a tu alrdedor) que en el pasado (hay que informarse muy bien si no se quiere meter la pata).

Creo que algo de lo que adolecen la gran mayoría de series de anime que he podido ver es de su duración: la mayoría se hacen interminables. Con el tiempo, algunas acaban convirtiéndose en simples culebrones animados cuyo argumento original se disuelve. Sin embargo, la que nos ocupa hoy consta únicamente de 26 episodios autoconclusivos, con lo que tampoco hay lugar al tan manido “subidón final” para mantener ansioso al espectador hasta el siguiente capítulo.

Finalmente, creo que los argumentos de esta serie están muy cuidados (aunque la originalidad de los mismos es algo que abunda bastante en el anime, por lo menos el que yo pude ver). Los hay mejores y peores, notándose sobre todo una mayor consistencia en aquellos capítulos dirigidos por Miyazaki, pues alguno está inspirado en mayor o menor medida en relatos originales de Conan Doyle.

Capítulos

La serie consta de 26 capítulos, contenidos en una recopilación que en su día (no sé cual) lanzó al mercado español Suevia Films y que me compré nada más enterarme. He de decir que, como otras películas que poseo de este sello, la edición es cutre con ganas. Los episodios dirigidos por Miyazaki son los siguientes:

• La pequeña cliente.
• El rapto de la Sra. Hudson.
• La esmeralda azul.
• El tesoro sumergido.
• Los acantilados de Dover.
• Las monedas desaparecidas.

Opening en español

Por último, como tenemos por costumbre al hablar de una serie de televisión, os dejo con el opening español de “Sherlock Holmes”:

Fuentes

Sherlock Holmes (anime) (Wikipedia en español)
“Sherlock Holmes, Nostalgia TV” en ¡Vaya tele!
“Sherlock Holmes” Fansite en francés
“Sherlock Hound” en Nausicaa.net
Hayao Miyazaki (Wikipedia en español)

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Pero hoy no quiero mostraros dicha serie, sino otra versión animada de “Super Mario Bros.” que no salió de Japón y es, por tanto, mucho más desconocida. Y es que era raro que un producto netamente japonés como son los videojuegos de Mario no contara con su propia serie de animación en el país del manga y el anime del sol naciente.

Lo mejor del vídeo es, sin duda, el modelito de Luigi: camisón, pantuflas, y gorro de dormir. Acabo de perderle todo el respeto…

Podéis encontrar más vídeos del programa en YouTube buscando por “Mario anime”.

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Sin embargo, si hay un estudio de animación cuyas obras son capaces de impactarme por completo, ese es el estudio Ghibli. Y no hablo ya solo de Hayao Miyazaki, un auténtico maestro en el arte de contar historias, sino de todas las películas salidas de este estudio japonés en general. En concreto, fuera de Miyazaki, soy un gran defensor de la infravalorada “Mimi Wo Sumaseba” (Susurro del corazón) una pequeña película que podríamos calificar como “costrumbrista”, ya que narra la vida cotidiana de una niña de 14 años y su primer amor, aunque de una forma fantástica y nada empalagosa.

Y centrándonos en el maestro Miyazaki, si hay una película de él que me haya cautivado, esa es sin duda “La Princesa Mononoke”.

Vi esta película poco después de su estreno en España. El director aun no había adquirido la fama en nuestro país que le daría después el ganar el Oscar por “El viaje de Chihiro”, y la película apenas recibió promoción. Sin embargo, la daban en un cine cerca de casa y, una aburrida tarde de las vacaciones de Navidad, mi hermano y yo nos metimos a verla casi de rebote.

Salimos de allí impactados por la calidad de la obra. Si la película ya de por sí es buena, cuando vas a verla sin tener ninguna expectativa, se revela aun mejor. Una obra brillante, perfectamente narrada, emocionante, violenta, e inspiradora a partes iguales y con un lirismo que la factoría Disney perdió hace muchos años.

“La Princesa Mononoke” es la obra cumbre de Miyazaki. Con un claro trasfondo de mitología japonesa, narra la historia de Ashitaka, el príncipe de una raza casi extinta de jinetes guerreros, que tras defender a su aldea del ataque de un ser monstruoso, queda infectado por su mal, y debe viajar en busca de una cura.

De este modo, Ashitaka se embarcará en un viaje que le llevará a los confines de la “ciudad del hierro”, que se encuentra en lucha con los animales del bosque. Ashitaka descubre que la tala de árboles llevada a cabo habitantes de la ciudad está corrompiendo el bosque sagrado y sus animales, entre los que se encuentran bestias antiguas de gran poder.

Entre los defensores del bosque y su forma de vida se encuentra una joven criada por lobos, conocida como “la princesa Mononoke”. Junto a ella, se embarcará en una lucha para salvar la vida del “Espíritu del bosque” y, en última instancia, devolver la paz a la aldea.

La película es un canto a la naturaleza, una crítica a la explotación de los recursos naturales por parte del ser humano. Con clara inspiración de la mitología japonesa, la película es pionera también en el uso de la animación tridimensional integrada con el dibujo a mano, quedando perfectamente integrado y transparente para el espectador.

En definitiva, no puedo hacer más que recomendarla, ya que es mi película favorita. Una obra redonda, inspiradora, con un toque oriental y una historia mitológica, que ningún aficionado al cine de animación debería perderse.

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Lo primero que debo resaltar es que la película NO es de Miyazaki, razón por la cual es menos conocida, aunque el aclamado director participa en el guión, la dirección corre a cargo de Yoshifumi Kondo, que es el director de animación de otras películas de Miyazaki como “La princesa Mononoke” o “Porco Rosso”, de ahí que el estilo de “Susurro del corazón” sea tan parecido a éstas.

El primer cambio radical es que la historia no transcurre en un mundo fantástico, como en las películas de Miyazaki, sino en el Tokio de 1995, época en que fue hecha la película. Es una delicia ver la recreación de la ciudad, el detalle puesto en cada fondo y en cada paisaje. El dibujo recrea un Tokio idílico que parece más bien un pequeño pueblo japonés, con unos paisajes fantásticos que hacen que quieras estar allí y vivir esa historia. Concretamente, la acción de la historia está localizada en el barrio tokiota de Tama, un suburbio al oeste de la ciudad.

La película narra la historia de Shizuku, una jovencita de 13 años, lectora empedernida, que un día se da cuenta de que todos los libros que saca en la biblioteca han sido antes alquilados por un misterioso joven llamado “Seiji Amasawa”. De este modo Shizuku comienza a preguntarse quien será este chico desconocido que coincide con sus gustos y parece estar siempre un paso por delante… Es un argumento simple, pero os sorprenderá la efectividad con que es llevado a la práctica, creando un microuniverso particular que convierte al barrio en el escenario de un cuento.

Miyazaki dirige, sin embargo, una de las escenas de la película. En conreto se trata de la escena en la que Shizuku se imagina como es la novela que quiere escribir. La reconoceréis enseguida porque es la más surrealista y onírica de la película. Una escena bonita, sin duda, pero que para mi gusto rompe un poco el tono costumbrista del relato y lo que es quizá su mayor virtud: crear un mundo mágico en un entorno cotidiano.

Al hablar de ésta película tengo que hacerlo con un cariño especial. Es una película que desprende un sentimiento especial, y no por las situaciones o aventuras de los personajes, que son de lo más nimias, sino por el estupendo retrato del crecimiento personal de los mismos. El primer amor, el valor de la amistad, y, sobre todo, las ganas de Shizuku de escribir, de crear, de ser una libre pensadora al margen de la estricta sociedad japonesa anclada en repetir los mismos patrones: saca buenas notas, consigue un buen trabajo, ve a una buena Universidad…

En definitiva, es una película mágica de las que te hacen soñar que un mundo mejor es posible en nuestro propio entorno. Un retrato humanizado de una ciudad de cemento, en la que todavía hay pequeños rincones donde dos niños que están entrando en la adolescencia pueden pasear, enamorarse y soñar… Y ante todo, se trata de una película que insufla al espectador de alegría y ganas de vivir.

Desgraciadamente, “Susurro del corazón” no ha sido editada en España, pero siempre es posible comprarla de importación o encontrar alguna versión subtitulada en internet, así que… ¡No dejéis de verla!

Fuentes

“Whisper of the heart” en Nausicaa.net
“Mimi wo sumaseba” ficha de la película en IMDB

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Densha Otoko
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