La historia del automóvil y la del escarabajo han ido de la mano durante medio siglo, y es uno de los principales factores que convirtieron al automóvil en un artículo de uso común por todas las clases sociales.

Icono por excelencia de la cultura hippie (junto a su hermana la VW Kombi), el preferido por los taxistas mexicanos, protagonista de películas donde cobra vida e incluso convertido en robot Transformer, este coche refleja mejor que cualquier otro la cultura pop.

Pero la mayoría desconocemos su verdadero origen. ¿Cómo es posible que un coche tan típicamente británico, tan usado por los hippies americanos de los 60, tenga nombre alemán? En las líneas siguientes os hablo sobre el sorprendente y apasionante origen de este vehículo.

El padre de la criatura

Ferdinand Porsche fue un genio de la ingeniería nacido en 1875. A inicios del siglo XX, ya había fabricado su primer modelo de automóvil; durante los primeros años del siglo, corría en competiciones automovilísticas con sus propios diseños (ganando además); y en 1925 consiguió el puesto de jefe de diseño en la Mercedes-Benz, creando los modelos más emblemáticos de la marca. Porsche podría considerarse el Henry Ford europeo, o el Tony Stark de principios de siglo.

Porsche quiso desde sus inicios crear un automóvil que no fuera un prototipo deportivo ni una berlina de lujo; deseaba acercar el mundo del automóvil al pueblo llano, y para eso fundó su propio estudio de diseño en 1930. Porsche no poseía infraestructura propia para crear vehículos, así que tenía que asociarse forzosamente con algún otro fabricante para producir. Durante unos años, Porsche intentó crear su ansiado modelo de coche barato, con malas experiencias y peores socios que casi lo obligaron a cerrar.

Pero entonces llegó el otro padre de la criatura…

Heil, mein skarabäus

Si os parece un flipe saber que Porsche es el diseñador del VW, más os asombrará saber que su promotor económico, aquel que lo sacó de los planos y lo pasó a producción, fue Adolf Hitler. Hagamos un poco de memoria.

Un joven Hitler, recién llegado al poder, quiere sacar a Alemania de la post-guerra en la que se halla sumida desde la Primera Guerra mundial, y para ello pretende construir una red de carreteras enorme alrededor de toda Alemania. En sus sueños, esta red posee tres carriles en cada sentido, más de medio metro de cemento bajo la capa de asfalto, peralte en todas las curvas, barreras y quitamiedos… Vamos, un señor proyecto. Pero, para empezar, resulta que casi nadie en Alemania (ni en el resto del mundo) posee un auto en 1930.

Para poder poblar su carretera, Hitler necesita un modelo de auto barato, accesible por todo el mundo y que pueda venderse a la clase media. Así es como Hitler se interesa por los prototipos de Porsche, entrevistándose con éste y ofreciéndole financiar su proyecto.

El sueño de Porsche toma forma y coincide con los deseos del Régimen. El proyecto adopta el nombre de Kdf-Wagen (de Kraft durch Freude: fuerza a través de la alegría). El Kdf-Wagen se promociona entre el pueblo alemán como “el auto del pueblo” (en alemán, volks wagen), lo que provocaría que todo el mundo conociera el vehículo con dicho nombre, relegando la especificación oficial para los militares.

Hitler encuentra oposición al proyecto por parte de la RDA (Reichsverband der Deutschen Automobilindustrie), organización que engloba a todos los fabricantes de automóviles de Alemania. El dictador, mostrando entonces su megalomanía característica, se hace construir su propia factoría, la más grande de Europa, tan grande que debe construir una ciudad entera junto a ella para poder alojar a los trabajadores de dicha fábrica. La ciudad sería llamada Stadt des KdF-Wagens (Ciudad del coche KdF). Durante la inauguración de la fábrica, el 26 de Mayo de 1938, Hitler se pasea en un prototipo descapotable del KdF conducido por Ferdinand Porsche.

Hitler necesita dinero para poner la fábrica en marcha, pero no puede hacer dinero sin vender vehículos, así que idea una curiosa e ingeniosa forma de vender el KdF entre la clase media: vende cupones semanales de 5 marcos, que se van juntando en un álbum (sí, como si fueran cromos). Se supone que al terminar de rellenar el álbum te entregaban el auto. En teoría todo sonaba bien; en la práctica estalló la guerra y se paralizó la producción de vehículos civiles, pasando los millones de marcos obtenidos de los cupones a financiar maquinaria bélica, y dejando sin su coche a casi 350.000 personas.

Una vez caído el Régimen, Porsche fue encarcelado por colaboracionista y, según dice la leyenda, por las condiciones esclavistas a las que se sometía a los trabajadores de la KdF-Wagens. Tal vez fuera verdad, pero yo al menos no imagino a un hombre empeñado en ofrecer vehículos a los humildes esclavizando trabajadores en su fábrica (aunque de los militares nazis me lo espero todo). De lo que no suele hablar la historia es de la media docena de ataques masivos que dicha fábrica recibió durante la guerra, matando docenas de trabajadores civiles.

El empresario alemán solo pasó dos años en la cárcel, el segundo de sus hijos (Ferry Porsche) crea entonces la conocida marca de autos Porsche, y con los beneficios de sus primeras ventas reúne el dinero necesario para liberar a su padre. A partir de entonces, la historia de la familia Porsche y la del utilitario alemán seguirán caminos separados.

Ferdinand Porsche moriría en 1951, víctima de una embolia cerebral. Su legado sería continuado por su hijo, quien convertiría el apellido Porsche en uno de los nombres más prestigiosos de la industria del automóvil.

Hitler nunca vió su KdFWagen salir de las líneas de producción. No sería hasta unos meses después de su caída y muerte que se comenzarían a producir las primeras unidades, bajo el mando aliado y con otro nombre.

Reconstrucción británica

La fábrica KdF-Wagens fue inutilizada y casi destruida durante la guerra, y a lo largo de 1945 los aliados insistieron en la necesidad de terminar de borrarla del mapa debido a sus connotaciones fascistas.

Sin embargo, un cúmulo de circunstancias terminaron por provocar que la fábrica se salvara de la quema de símbolos nazis. Fueron las siguientes:

• Los nazis tenían ordenes de destruir la fábrica antes de su derrota final, pero los encargados de ejecutar la orden la ignoraron.
• Una bomba caída en la pieza principal de la maquinaria no llegó a explotar, por lo que el corazón de la fábrica pudo salvarse de la guerra. De haber detonado no se hubiera podido reemprender la producción.
• Un grupo de voluntarios alemanes, a riesgo de sus vidas, habían mantenido los generadores principales de la fábrica en marcha.
• Porsche, aconsejado por su segundo Rudolf Brörmann, decidió transladar toda la maquinaria que pudiese moverse a los bosques y subterráneos cercanos a la fábrica, cosa que resultó crucial para volver a ponerla en funcionamiento.
• Los trabajadores que quedaron en la ciudad se ofrecieron a reparar los vehículos aliados en la fábrica a cambio de comida, lo cual creó un precedente para la reactivación de la fábrica.



• Los británicos, tal vez impresionados por la tecnología alemana, estaban interesados en llevarse lo que pudieran de la fábrica al Reino Unido, pero ningún fabricante británico estaba interesado en la producción de un diseño nazi.
• La tenacidad alemana por mantener viva la fábrica, unida a la eficiencia británica, hizo que en el mismo año 1945 se reconstruyera parcialmente la fábrica y se produjeran medio centenar de vehículos.

El escarabajo fue un símbolo de la recuperación alemana: en un pais empobrecido por dos guerras mundiales, perdedor de ambas, fabricar y exportar estos vehículos se convirtió en una especie de orgullo nacional. La producción, al principio, fue para Alemania; pero pronto quedó patente que poca gente en un país tan devastado podía permitirse un auto. La única solución era la exportación de vehículos a otros países, y así es como se propició el posterior éxito del escarabajo fuera de Alemania.

Expansión mundial (50 y 60)

En 1949, el escarabajo desembarca en Estados Unidos. Visto al principio con reticencia por un público más acostumbrado a los autos grandes y cuadrados, pronto conquistará el corazón de los americanos, sobre todo de los jóvenes. Durante la década siguiente, el auto se convertirá en un símbolo sobre ruedas de la gente que lucha contra el sistema.

En los años 50, Volkswagen consigue instalar fábricas en Inglaterra, Sudáfrica y Brasil, proporcionando una base sobre la que lanzarse luego hacia México y Australia, aunque ninguna de esas fábricas llega a ser tan grande como la alemana.

Dos décadas de éxito y el carisma característico del modelo hace que se olvide pronto su oscuro origen y sea aceptado en todas partes.

En veinte años, la directiva de la Volkswagen tuvo siempre en cuenta que el éxito del modelo estaba en no cambiar su espíritu original. Multitud de pequeños cambios se llevaron a cabo durante dos décadas en el modelo, pero siempre conservando y respetando su esencia.

El principio del fin (70-2000)

En la década de los 70, presionada por los cambios tecnólógicos en la industria y por la cada vez más dura competencia, la factoría principal de Wolfsburg deja de fabricar escarabajos y los sustituye por el Volkswagen Golf, el cual incorpora cambios tecnológicos imposibles de superar por el viejo modelo.

El auto seguirá siendo fabricado en las filiales internacionales de la Volkswagen, sobre todo en las plantas de Brasil y México, países con un desarrollo más lento que el exigente mercado europeo y americano. Esto alargará la vida del modelo (y su leyenda) tres décadas mas.

El 31 de julio de 2003, el último escarabajo del mundo se produce en la fábrica de Puebla (México), alcanzando la cifra de 21.529.464 unidades vendidas en todo el mundo a lo largo de 69 años. Este Volkswagen, el último salido de la línea de producción, se conserva sin estrenar en el museo Volkswagen de la planta de Wolfsburg.

El escarabajo y la cultura pop

Son numerosas las apariciones del escarabajo en la cultura pop. Icono de la contracultura en los 60, aún en nuestros días se puede considerar parte de ella.

La representación pop más significativa del escarabajo es la serie de películas de Herbie, “El cupido motorizado” (1969), como se le conoce en Sudamérica, o “The love bug” como se le conoce originalmente en los países anglófonos. Herbie es un Sedán de 1962 salido de la planta de Wolfsburg que toma conciencia de sí mismo y protagoniza varias películas, rodadas entre 1969 y 1988, teniendo una serie de televisión propia en 1997 y una nueva adaptación al cine en el 2005.

El escarabajo aparece tambien en multitud de películas, desde “El Resplandor” (1980) hasta “Lilo y Stitch” (2002), pasando por obras míticas como “Indiana Jones y la Última Cruzada” (1989, en versión militar nazi) o clásicos como “Gremlins” (1984)

Tambien es destacable su paso por los videojuegos. Hay un Sedán de los años 50 elegible como auto en “Gran Turismo 4″, un juego completo para jugar con escarabajos (“Beetle Crazy Cup”), y también podemos adelantarlo jugando al “Out Run”“original.

Uno de los Transformers más carismáticos es el autobot Bumblebee, que en la serie de 1984 se podía transformar en un escarabajo, aunque en la película “Transformers” de 2007 lo cambiasen por un Camaro.

El escarabajo es un coche que aún goza de mucha popularidad y tiene muchísimos seguidores en todo el mundo. Existen incontables clubes de fans del escarabajo y páginas sobre este auto en la red.

Curiosidades sobre el escarabajo

• Se calcula que aún quedan unos 10 millones de unidades rodando por todas las ciudades del mundo.
• El diseño básico del escarabajo fue rechazado al finalizar la guerra por los ingenieros británicos, por Henry Ford y por ingenieros australianos, así que al final se quedó en Alemania.
• En 1945, debido a la escasez de gasolina, se pusieron en circulación algunas unidades equipadas con una caldera de carbón, similar a la de los trenes.
• Aunque oficialmente se le atribuye a Ferdinand Porsche la autoría del escarabajo, su diseñador original fue Erwin Komenda, jefe de diseño de Porsche.



• El diseño original del escarabajo fue copiado de un automóvil de Europa del Este de los años 30. La fabricante de dicho modelo estuvo en pleitos con la Volkswagen hasta que en los años 60 le fueron entregados 3 millones de marcos como compensación económica.
• En la portada del último disco de los Beatles (Abbey Road, 1969) aparece un escarabajo identificable por la matrícula LMW 28IF. La policia intento quitar el vehículo de la acera para realizar la foto, pero el dueño estaba de vacaciones. La matrícula del auto ha sido robada docenas de veces por los fans. En 1986, el coche fue vendido en una subasta por 2.300 libras.

Fuentes

Escarabajomanía
Historia de la Volkswagen
Ferdinand Porsche (Wikipedia en español)

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Así pues, hoy quiero hablar de este curioso juego. No hay niño que no lo conozca y es algo, por tanto, completamente asimilado en nuestra cultura pero ¿alguna vez os habéis preguntado de donde viene?

Un juego milenario

El juego original es una invención china que, como otras tantas, se difundió por el resto de Oriente. Concretamente, se encuentra datado a finales de la era Ming, ya que existen escritos de la época que relatan como los señores de la guerra del periodo Han tardío jugaban a algo llamado sh?ushìlìng, que vendría a ser parecido al juego actual.

A Occidente no llegó hasta que se tuvo contacto con los asiáticos a finales del siglo XIX, siendo Japón el país que exportó el juego al resto del mundo. De hecho en países como Perú o Brasil se le conoce por su nombre japonés: jankenpon.

Actualmente, en Japón, el jankenpon, se encuentra muy extendido. Sus menciones son constantes, desde la serie “Dragon Ball”, en la que Goku y sus amigos se sorteaban los enfrentamientos con este método, hasta videojuegos como “Alex Kidd in Miracle World”, en el que los enfrentamientos con los jefes finales se resolvían mediante este sistema.

Para darnos cuenta de su importancia, por ejemplo, podemos ver como en la serie “Shin-Chan” le dedican un capítulo completo, en el que se trata parte de la psicología del juego.

Otra prueba de que a nosotros nos ha llegado desde el pais nipón, es el que llamemos a la mano “papel” y no “ropa” como ocurre en China y Corea.

Las reglas, eso sí, son las mismas. Se trata de un juego en el que el jugador debe sacar uno de los tres elementos: piedra, papel o tijeras, haciendo su símbolo con las manos. Cada elemento gana a uno de los otros y pierde ante el restante, por lo que la posibilidad de ganar o perder con cualquier de ellos depende únicamente del azar.

Por si habéis vivido aislados en una burbuja y acabáis de incorporaros al mundo, os explico el esquema del juego: el papel envuelve la piedra, las tijeras cortan el papel y la piedra rompe las tijeras. Básicamente eso es todo, a no ser que alguien decida incorporar reglas especiales:

Hecha la introducción, profundicemos un poco más en el juego.

Estrategia

Aunque os resulte dificil de creer, el piedra-papel-tijera es un juego que, a pesar de su aparente simpleza, cuenta con su propia estrategia, íntimamente relacionada con la psicología del jugador y con la teoría de juegos.

La clave del juego está en predecir los movimientos del contrincante, encontrar un patrón de jugadas que este suela repetir y encontrar la forma de utilizarlo en nuestro beneficio.

Es cierto que matemáticamente, el juego es una cuestión de elección aleatoria, con una probabilidad de ganar de un 33% (y otro 33% de posibilidades de perder o empatar).

No obstante, hay jugadores capaces de desequilibrar la estadística mediante el conocimiento de su contrincante. Por ejemplo, está probado que la elección más común de la mayoría de las personas para una primera ronda es la de las tijeras.

Dedicada a mantener el culto por este juego, existe una sociedad mundial, la World Rock Paper Scissors Society, que provee todo tipo de estrategias e información sobre el juego en su página web. Un auténtico portal dedicado por completo a piedra-papel-tijera.

Profesionales de piedra-papel-tijera

Pero esperad, aun hay más ¿sabéis que existen ligas a nivel mundial de piedra-papel-tijeras? Una de las más famosas es la USARPS League (USA Rock Paper Scissors League), una competición nacional que se celebra anualmente en Estados Unidos.

La final de tan importante evento suele tener lugar en Las Vegas, la ciudad del entretenimiento por excelencia, y cuenta con toda la parafernalia propia de un combate de lucha, con ring y árbitro incluidos ,así como un premio digno de tomarse este juego en serio: un cheque gigante de 50.000 dólares. Aquí podéis ver la final del campeonato de 2007:

Todo está controlado, desde el escenario del enfrentamiento hasta la sincronización de los jugadores, para asegurarse de que sacan su jugada exactamente al mismo tiempo. Las repeticiones a cámara lenta son simplemente impagables, por no hablar de los comentaristas.

En cuanto a la competición a nivel mundial, organizada por la ya mencionada World RPS Society, la final suele celebrarse anualmente en Toronto, Canada, con participantes de todo el mundo. Aunque eso sí, no tiene tanto glamour como la competición americana. Si queréis apuntaros a la competición de 2008, todavía estáis a tiempo.

Quien iba a decir que un juego infantil, originado por los señores de la guerra de la dinastía Ming de la lejana China, pudiera llegar tan lejos…

Fuentes

Piedra-papel-tijera (Wikipedia en español)
World RPS Society

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Lo más difícil de lograr en cualquier forma de arte que se os pueda ocurrir es crear un estilo propio. Conseguir que cuando cualquiera perciba tu creación con alguno de sus sentidos sepa que eso que está sintiendo lleva tu sello. En música, aunque aparecen y desaparecen compositores constantemente, pocos son los que perduran en la memoria colectiva y se hacen dignos de nuestro conocimiento.

Si tuviésemos que seleccionar músicos en el género de los videojuegos que han conseguido esta meta, quizás podríamos contarlos con los dedos de una mano. Se me ocurren los nombres de Koichi Shugiyama, Nobuo Uematsu y desde luego; el gran K?ji Kond?.

Biografía

Si Shigeru Miyamoto es la imagen y la mente detrás de los juegos más populares de Nintendo, podríamos decir que Kond? es el compositor de la compañía.

Ambos fueron los miembros más destacados en los orígenes del Nintendo EAD (Nintendo Entertainment Analysis and Development), el equipo de desarrollo de Nintendo que desde 2003 se reestructuró en tres departamentos.

K?ji Kond? entró en la compañía en 1983, debutando al año siguiente como compositor de videojuegos con juegos como “Duck Hunt”, “Golf” y “Devil World”; un comecocos similar a “Pac-Man” que sólo se comercializó en Japón para la Famicom (la NES japonesa).

Así, el músico que jamás se había planteado componer música para videojuegos, entró en la empresa en la que estaría toda la vida, contemplando la el nacimiento de todas las consolas de Nintendo desde la NES. Una consola, por cierto, donde se encontró con serias limitaciones instrumentales.

Kond?, un compositor de música clásica acostumbrado a trabajar con multitud de instrumentos, se encontró de repente con que sólo podía utilizar cinco canales: melodía, armonía, bajos y percusión, a los que se unió un quinto canal de efectos sonoros que Nintendo desarrolló más adelante.

Las influencias del músico son claramente tres: la música latina, el jazz y la música clasica. Además de una tendencia a la composición cinematográfica, inspirada en uno de sus ídolos: John Williams (compositor de bandas sonoras míticas como la de “Star Wars”, “Indiana Jones” o “Encuentros en la tercera Fase”.

Así, si la música de juegos como “Zelda: Ocarina of Time” es más bien cinematográfica, los títulos de Mario serían más cercanos a la música latina (no olvidemos el origen italiano del fontanero), hecho que se hizo más evidente en “Super Mario Sunshine”.

Si algo hay que reconocer en el trabajo de K?ji Kond?, es la frescura de sus temas musicales, que los hacen prácticamente inmortales, y son reconocidos en todo el mundo años después, porque ¿quién es capaz de olvidar la música del primer “Super Mario Bros.”?

Nintendo lo sabe, y por eso le ha confiado la composición de sus títulos estrella: La sagas de Mario y Zelda, “Donkey Kong Country” “Star Fox” o “Smash Bros.” están en su currículum. Se dice pronto, pero estamos hablando de auténticos iconos de la cultura de los videojuegos.

Curiosidades

¿Sabías que…?

• Uno de los apodos favoritos de K?ji Kond? es el de “El John Williams Japonés”
• Su primera composición para un videojuego fue la de “Duck Hunt”
• Tiene una cuenta en Myspace.
• Su composición favorita es la de “Super Mario Bros.”
• Compuso la banda sonora de “Super Mario Bros.” en un teclado Casio
• Le gusta ver películas de aventuras y acción para inspirarse y coger ideas
• Los únicos juegos de Mario que cuya música no ha sido compuesta por Kond? son los de Gameboy
• Todas sus composiciones son en Do Mayor
• Cuenta la leyenda que el personaje de Tingle, de la saga Zelda; está inspirado en el bueno de K?ji. Bueno, al menos el parecido es indudable, ¿verdad?

Selección musical

Para terminar por este pequeño homenaje al músico de Nintendo, os dejo con una pequeña selección de algunos de los temas más emblemáticos del compositor. Mi favorito es el de Wind Waker… ¿y el vuestro?

Fuentes

K?ji Kond? (Wikipedia en inglés)
“K?ji Kond? Interview” en 1UP

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Pero lo cierto es que el Carnaval tal y como se celebra hoy en día en la ciudad italiana tiene apenas algo más de veinte años de historia. Aunque Venecia era famosa en la antigüedad por sus fiestas de Carnaval, la festividad no se retomó hasta la década de los 80.

Permitidme pues remontarme hoy al pasado, entre los siglos XIII y XVIII, para contaros la historia de la época en el que el Carnaval de Venecia alcanzó sus cotas de mayor esplendor y decadencia.

Los orígenes del Carnaval de Venecia

El documento más antiguo referente al uso de máscaras en Venecia data del 2 de mayo de 1268. Sin embargo, no fue hasta inicios del siglo XIII cuando se declaró al Carnaval como festividad pública, alcanzando su época de máximo apogeo en el siglo XVIII. En aquella época acudían aristócratas provenientes de todas partes y no era raro que los príncipes y nobles europeos se escaparan a Venecia para divertirse y disfrutar del anonimato proporcionado por las máscaras.

Las máscaras venecianas tradicionales estaban elaboradas con papel-maché, predominando los colores blancos, plateados y dorados. Asimismo, estaban decoradas con lazos, telas, piel o gemas, y su demanda no hacía más que crecer, lo que dio origen a la figura del hacedor de máscaras, artesanos que eran muy respetados en la ciudad.

El Carnaval era la época del año en la que todo estaba permitido. Ocultos bajo el anonimato de las máscaras, las clases nobles (y no tan nobles) daban salida a sus más bajos instintos. El inicio del Carnaval Veneciano lo marcaba el día de Santo Stefano (26 de diciembre), día a partir del cual estaba permitido llevar máscaras, durando esta permisión hasta el miércoles de ceniza.

Sin embargo, , en la época de mayor apogeo, las fiestas llegaban a prolongarse durante cuatro meses e incluso seis meses, con los venecianos portando máscaras hasta bien entrado el mes de junio. Más adelante llegó a permitirse también el uso de máscaras entre el 5 de octubre y el 16 de diciembre, convirtiendo a Venecia en la ciudad del carnaval perpetuo.

Relajo moral

El objetivo de los Carnavales era dar salida a las pulsiones y deseos corporales, estimulando a los ciudadanos al exceso durante un período determinado de tiempo. Venecia era una sociedad muy oligárquica, y el carnaval servía para dar a las clases humildes la ilusión de ser iguales a los poderosos, cubriendo ambos su rostro con una máscara. No obstante, como ya hemos comentado, también permitía a los poderosos liberarse de las ataduras morales propias de su clase.

También era la época del año en la que estaba permitido el juego de azar, que tenía como punto neurálgico el Ridotto de S. Moisé, una casa de juegos dirigida por el Estado, que se convirtió en un río de ducados desde los bolsillos de los ciudadanos hacia las arcas del Estado.

Durante el carnaval, existían una serie de disfraces tradicionales, muchos de los cuales han perdurado hasta nuestros días. Entre ellos se encontraban los personajes clásicos de la comedia del arte, como Arlequín o Polichinela.

Pero sin duda, el disfraz más terrible era el del médico de la peste, caracterizado por su máscara con una larga nariz. Este era el disfraz utilizado por los doctores que acudían a diagnosticar los casos de Peste Negra, epidemia que asoló la ciudad en repetidas ocasiones.

El disfraz tenía una función práctica, ya que en el interior de la larga nariz se colocaban hierbas aromáticas. Los galenos de la época estaban convencidos de que la enfermedad se transmitía a través del mal olor, razón por la cual intentaban protegerse mediante el uso de estas fragancias.

Sin embargo, con el cada vez mayor auge y desenfreno de la fiesta, empezaron a promulgarse decreto que frenaran un poco los actos de los venecianos. Por ejemplo, uno de los decretos, fechado el 22 de febrero de 1339, prohibía a los enmascarados caminar por la ciudad durante la noche.

Pero para entender hasta donde llegaba el libertinaje reinante en la época, conviene mencionar un decreto del 24 de enero de 1458, que prohibía a los hombres la entrada en conventos disfrazados como mujeres para cometer multas inhonestates. Ya os podéis imaginar las intenciones de los enmascarados, que en el desenfreno del carnaval no se detenían ante nada.

Decadencia y desaparición

La festividad del Carnaval comenzó a perder fuelle con la decadencia de la ciudad y la pérdida de poder de sus ciudadanos. Hacia el siglo XVIII, la Serenísima República de Venecia no era más que una pálida sombra de lo que llegó a ser.

La república desapareció finalmente en 1797, conquistada por Napoléon Bonaparte. Su territorio fue repartido entre Francia y Austria, y la fiesta del Carnaval derogada. Aunque los sucesivos gobiernos la permitieron puntualmente, nunca tuvo la fuerza de antaño. Finalmente, la fiesta fue prohibida de forma definitiva en el siglo XX por el gobierno fascista de Mussolini.

La festividad permanecería semienterrada hasta 1979, época en que fue restablecido de nuevo de forma oficial, con la apertura de nuevas tiendas de máscaras.

Desde entonces, cada año es mayor el número de turistas de todo el mundo que se acercan a Venecia en estas fechas. Esto provoca en muchos casos la huida masiva de los habitantes de la ciudad, que parten en busca de destinos más tranquilos.

El Carnaval ha recuperado parte de su esplendor, convirtiéndose en un enorme atractivo turístico para la ciudad, pero sin la libertad y desenfreno de antaño.

Fuentes

Carnaval de Venecia (Wikipedia en español)
“Carnaval – Venecia” en elalmanaque.com
“The Ancient Carnival” en Portale di Venezia
“Los Carnavales de Venecia” en Città di Venezia

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Este es un artículo dedicado a los fans más incondicionales de “Los Simpson”. Aquéllos a los que no se les escapa ni un detalle, que saben a qué temporada pertenece cada capítulo y te podrían cantar de memoria los nombres de pila de todos los habitantes de Springfield. O, en definitiva, para cualquiera que viva en España y vea Antena 3, porque son tantas las veces que nos los han repetido que más de uno seguro que se sabe los diálogos de memoria.

Mirad el cuadro superior. Son perros. Perros jugando al póquer. Sí, ya sé que lo dice el título de la entrada de hoy. ¿Pero os suena el cuadro? Tal vez lo recuerden de otras apariciones como… ¡en varios capítulos de “Los Simpson”!

La historia:

“Dogs Playing Poker”, o “Perros Jugando al Póquer”; es una serie de 16 óleos pintados por Cassius Marcellus Coolidge a principios del siglo XX. En 1903, Coolidge firmó un contrato con la tabacalera Brown & Bigelow para crear la serie de 16 ilustraciones de perros en situaciones más propias de humanos, o antropomórficos.

Nueve de ellos muestran a perros jugando al póquer, y en el resto podemos ver a los animales en otras situaciones, como jugando al billar, leyendo el periódico, o haciendo de trileros.

Dos de estos cuadros se hicieron particularmente famosos. Se trata de A Bold Bluff (el cuadro de la imagen superior) y Waterloo, que fueron vendidos en una subasta realizada en 2005 por la nada desdeñable cifra de 590.400 $. En Estados Unidos es un icono popular de la cultura pop, e incluso podemos encontrar réplicas de estos cuadros en muchos hogares, ya que se venden en grandes superficies – tipo Ikea – para decorar la casa.

Apariciones en ‘Los Simpson’:

Si sóis fans de la serie, seguramente sabréis que muchísimas escenas son guiños a películas, series, novelas e incluso obras de arte, como la que hoy os presento. Seguramente este cuadro debió impactar mucho a los guionistas, porque aparece nada menos que en cuatro episodios de la serie. A saber:

Especial de Halloween de los Simpson IV (Treehouse of Horror IV) – 5ª Temporada: Concretamente aparece en el minuto 14. En el especial de “Halloween”, mientras Bart recorre una galería de cuadros haciendo la introducción a la última historia del capítulo, aparece el famoso lienzo de perros jugando al póker. Lo mejor es la reacción de Homer al verlo.

Dos docenas y un galgo (Two Dozen and One Greyhounds) – 6ª Temporada: Se trata del capítulo en el que el perro de los Simpson, el Pequeño ayudante de Santa Claus, encuentra una novia. En una de las escenas, salen a pasear por la ciudad parodiando a la película de Disney “La dama y el vagabundo” y se hacen una foto jugando al póquer con otros perros.

Días de vino y suspiros (Days of Wine and D’Oh’ses) – 11ª Temporada: En el minuto 13:50, Bart y Lisa están haciéndole una foto a varios perros jugando al póquer para ganar una bicicleta en un concurso de fotografía.

La familia mansión (The Mansion Family) – 11ª Temporada:: Uno de los capítulos más malos de la serie con diferencia. El Sr. Burns se va de vacaciones, y no se le ocurre otra cosa que dejar su mansión a cargo de los Simpson. “Perros Jugando al Póquer” aparece en el minuto 6:13:

Otras apariciones en los medios

Seguramente a partir de ahora os fijéis más todavía, pero “Los Simpson” no son la única serie televisiva en la que se ha hecho referencia a esta popular colección de pinturas. Sin ir más lejos, en “Family Guy” (“Padre de Familia”) aparece en un par de capítulos: (“Salvad al Soldado Brian” y “Rumbo a Rhode Island”).

También en el videojuego “Psychonauts”, de Tim Schaffer. Tiene todo un nivel (Black Velvetopia) dedicado al arte Kistch. Si el protagonista acaba el nivel, encontraremos al artista Edgar Teetle pintando un cuadro de perros jugando al póquer. Y si entramos en su mente, podremos verlo a él mismo jugando con los perros.

Podéis encontrar más referencias a estos cuadros en la Wikipedia (en inglés).

Juegos:

Como no podía ser de otra forma, los “Perros jugando al póquer” también tuvieron su influencia en el mundo del ocio y entretenimiento. Para empezar, tenemos el juego para PC “Dos Playing Poker”, en el que podemos jugar al póquer junto a otros perros. Tenemos hasta 21 personajes para elegir y varias modalidades de juego, por lo que además de original es un título bastante completo.

También existe un juego de póquer real, inspirado en la colección de cuadros y que podéis encontrar en la web de la empresa que lo distribuye, Barnes & Noble:

Finalmente, y ya para acabar este artículo, existe un juego en Shockwave bastante antiguo. También de póquer y con perros como protagonistas, cómo no. Necesitáis tener el plugin de Adobe Shockwave para jugar. Para echar una partida, pulsad en la imagen:

Fuentes

Dogs Playing Poker (Wikipedia en inglés)
Cassius Marcellus Colidge (Wikipedia en inglés)
DogsPlayingPoker – Sitio web dedicado a la colección de Cassius Colidge, con una galería de todos los cuadros de la colección.
Galería de cuadros de C.M. Coolidge
“Dogs Playing Poker”, el juego para PC | Versión descargable.
“Dogs Playing Poker”, juego de mesa inspirado en la colección

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El número áureo es el punto en que las matemáticas y el arte se encuentran. Existen en matemáticas tres constantes que son definidas con una letra griega:

π=(3,14159…) Pi, es la relación entre la longitud de la circunferencia y su diámetro.

e=(2,71828…) e, es el límite de la sucesión de término general (1+1/n)^n. e es el único número real cuyo logaritmo natural es 1.

Φ= (1,61803…), Phi, el número de oro. Matemáticamente hablando, podemos definirlo como aquel número al que, tanto si le sumamos uno como si lo elevamos al cuadrado, sale el mismo resultado.

Los tres números tienen infinitas cifras decimales y no son periódicos (sus cifras decimales no se repiten periódicamente). Todos ellos son, por tanto, números irracionales.

El número Φ (Phi) o número áureo aparece en la naturaleza formando parte de la morfología de diversos elementos, se trata de una cifra que podemos encontrar enel crecimiento de las plantas, en las piñas, en la distribución de las hojas de un tallo o en la formación de las caracolas.

Se llama “Phi” en honor al escultor griego Fidias, que ya lo aplicaba en sus creaciones. El número áureo era conocido en la antigua Grecia y se utilizó para establecer las proporciones de las partes de los templos. Por ejemplo, la planta del Partenón es un rectángulo en el que la relación entre el lado menor y el lado mayor es el número áureo. Esta misma proporción está presente en las tarjetas de crédito actuales, entre otras.

Los griegos creían en la existencia de unas proporciones armoniosas para el cuerpo, que buscaban aplicar en sus esculturas. Durante el renacimiento, dichas proporciones quedaron plasmadas en este famoso dibujo de Leonardo Da Vinci: el “Homo Vitruvio”, que ilustra el libro “La Divina Proporción” de Luca Pacioli, editado en 1509.

En dicho libro se describen cuales han de ser las proporciones de las construcciones artísticas. En particular, Pacioli propone un hombre perfecto en el que las relaciones entre las distintas partes de su cuerpo sean proporciones áureas. Con los pies y las manos estiradas y situando el centro centro en el ombligo se dibuja la circunferencia. El cuadrado en que se inscribe tiene por lado la altura del cuerpo que coincide, en un cuerpo armonioso, con la envergadura del mismo (la longitud entre los extremos de los dedos de ambas manos cuando los brazos están extendidos y formando un ángulo de 90º con el tronco). El cociente entre la altura del hombre (lado del cuadrado) y la distancia del ombligo a la punta de la mano (radio de la circunferencia) es el número áureo.

El misterio de este número es que todas aquellas proporciones en las que aparece producen en quien lo observa una sensación de armonía. Es por ello que el número áureo está considerado como el “número de la belleza”.

Fuentes

Número áureo (Wikipedia en español)

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El nombre de este personaje en japonés es “Kaonashi” (literalmente, sin cara) se compone de “Kao” que significa “cara”, y “Nashi” que podría traducirse como “no hay”. La explicación de este personaje, según el propio Miyazaki, es la siguiente:

Me gustaba la idea de un dios errante que no tiene casa. No figura en el folklore japonés. De hecho “Sin Cara” representa el Japón contemporáneo porque mucha gente cree que el dinero le hará feliz. Pero cuando “Sin Cara” les da oro a los personajes de la película, ¿les hace felices? La reacción pública a este personaje me intrigaba. Algunas opinan que “Sin Cara” es una madre. Otros que es un padre. Recibí una carta de un niño que me explicaba que estaba muy triste porque “Sin Cara” no tenía adónde ir. Me contó que lloró de alivio cuando Chihiro le permitió acompañarla en el tren .

(Hayao Miyazaki)

La máscara de “Sin cara” está inspirada en las de los actores del teatro Noh japonés. ¿Y que es el teatro Noh? El teatro Noh es una forma de teatro tradicional del Japón que combina danza, música instrumental y canciones narrativas basadas en textos budistas, y poesia china y japonesa. De decorados muy simples, todos sus elementos tienen un amplio simbolismo en la historia. En concreto las máscaras que usan los personajes cobran un amplio significado en la historia y son parte fundamental de su caracterización.

Fuentes

El teatro Noh (Wikipedia en inglés)
Elaboración de una máscara de teatro Noh
The Noh Mask Effect: A Facial Expression Illusion
Tienda de Kyoto en la que se puede ver un catálogo de máscaras Noh

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